原作素材—小説、戯曲、コミック—スクリーン用に再構成。直訳ではなく、ドラマツルギー的な再構築が必要。
アダプテーション
原作（小説、戯曲、コミック、実話など）が机の上に置かれ、プレッシャーが始まります。原作のどの部分を残し、どの部分を削り、そして何よりも、それをどのように視覚的に語るのか？ それがアダプテーションです。セリフを書き写すのではなく、物語を映画的な思考へと根本的に転換することです。多くの人が犯す間違いは、原作をアダプトするのではなく、写真撮影してしまうことです。それは、文学にも映画にもふさわしくない、退屈で映画的でない素材を生み出します。
実際には、断言する勇気が必要です。どのドラマの核を維持しなければならないのか？ 500ページの小説を単純に100分に押し込めることはできません。キャラクターを統合し、ストーリーラインを削除し、時にはトーンさえも変更する必要があります。それは原作を損なうことではなく、その内的な論理を映画というメディアに翻訳することで、原作を尊重することです。モノローグは、話されるテキストではなく、内なる声として機能します。小説のフラッシュバックは、イメージのモンタージュになります。詩の比喩的な密度は、カメラ、音、編集によって濃縮されることがあります。しばしば、原作よりも強力になります。
典型的な落とし穴：アダプテーションを義務的なタスクとして扱うこと。ライセンスの安全性を確保するために、名前（原作のタイトルなど）に固執しすぎ、その結果、映画自体を忘れてしまうこと。あるいは、その逆で、原作が単なる言い訳に過ぎないほど自由にアダプトしてしまうこと。最も難しい瞬間は、常に脚本の段階で訪れます。あなたはそこに座り、3つのバージョンを持っていますが、それが映画的ではないことに気づきます。その時、書き直すための明確さ、あるいは映画的な語りのために原作には存在しなかったシーンを考案する必要があるのです。
優れたアダプテーションは、クルー（プロデューサー、監督、脚本家）が、自分たちが芸術の守護者ではなく、新しい芸術形式の職人であることを理解した時に生まれます。原作への忠実さは、品質の基準ではありません。結果こそが基準です。時には、自由なアダプテーションの方が、息をすることさえためらうような、奴隷的なリメイクよりも尊いことがあります。