ブロードウェイの舞台作品を映画化——ミュージカルや戯曲が映画化される。既存の観客層、高い製作費、舞台ロジックをシネマティックに再構築する必要がある。
ブロードウェイの題材を翻案する際、多くのチャンスと落とし穴が一度にテーブルに並べられる。観客、実績のあるドラマツルギー、そしてしばしば予算のセーフティネットをすでに備えた素材が手に入る。しかし、舞台の論理と映画の言語は根本的に機能が異なるという難しさもある。セットや編集でそれはすぐにわかる。舞台上で歌、モノローグ、空間的な存在感によって生きているものを、映像、編集のリズム、クローズアップへと翻訳しなければならない。
制作価値は最初から高い。スタジオはブロードウェイの翻案に投資する。なぜなら原作が証明しているからだ。人々は入場料を払う。これは、あなたのクルーにとって、大規模なセット、Aリストの才能、長いプリプロダクションを意味する。計画のための時間がある。例えば、舞台の音響をマイクの配置やミキシングでどう解決するか、あるいはカメラの振付が舞台で十分な空間的なダンスをどう置き換えるかなどだ。ウエスト・サイド・ストーリー（スピルバーグ監督、2021年）のようなミュージカルはこれを典型的に示している。ダンスシーンは単に撮影されたのではなく、再考された。編集、カメラの動き、視点の変化が、舞台のダイナミズムとは異なるエネルギーを生み出した。
実際には、これはしばしば意味する。シーンのオープニング。舞台上で一つの空間で行われることを、映画的には複数の場所やショットサイズに分散させる。映画的なモンタージュがドラマツルギーの武器となる。舞台の時間連続体（役者は互いに向き合い、空間は一つ）は、映画的なシーケンスに分解される。同時に注意しなければならない。やりすぎると、オリジナルのエネルギーを失う。あまりにも忠実に再現すると、硬く演劇的になり、シネマティックとは正反対になる。
予算と時間計画にとって、ブロードウェイの素材はしばしば品質と忠実性に対する高い期待を意味する。プロデューサーは舞台関係者をなだめ、既存のファンベースを尊重しなければならない。脚本は権利保持者とのやり取りを繰り返す。ミュージカルの場合、さらに歌は保護されており、その使用は交渉され、編集論理への統合は再考されなければならない。タイミングは重要だ。舞台上で3分かかる歌が、映画的には2分または5分になることがある。
利点は残る。あなたは真空の中で作業しているわけではない。舞台のオリジナルは、その物語が機能することを証明している。あなたの仕事は発明ではなく、翻訳である。そしてそれはオリジナル脚本よりも明確だ。ブロードウェイの題材をマスターした者は、メディア間でドラマツルギーのエネルギーをいかに転送するかを理解している。