映画の物語内に存在する可視的または論理的なソースから発生する音楽—ラジオ、ジューク・ボックス、ライブ・パフォーマンス—が登場人物に聞こえる。
技術的詳細
ソースミュージックは通常、セリフのレベルよりも-12dBから-18dB下でミックスされ、ソースに応じて特徴的な周波数フィルタリングが施されます。ラジオミュージックは300Hzから3000Hzに制限されるのに対し、ライブオーケストラは20Hzから20000Hzの全周波数帯域を使用します。セットでの録音では、自然な部屋の反響を生成するために、通常5Wから15Wの出力を持つ小型Bluetoothスピーカーから再生されます。ポストプロダクションでは、Lexicon 480Lのようなリバーブアルゴリズムや最新のプラグインを使用して、録音部屋の音響特性を再現します。
歴史と発展
この用語は、トーキー映画の出現とともに1930年代に確立されました。フリッツ・ラング監督の「M」（1931年）は、キャラクター描写のためにソースミュージックを体系的に初めて使用しました。童謡「森に男の子が一人立っている」が子供殺しの犯人を特定します。1970年代には、ロバート・アルトマン監督が「ナッシュビル」（1975年）で重なり合うソースミュージックのレイヤーを革命的に使用しました。1990年代以降、Pro Toolsのようなデジタルワークステーションにより、映像と複数の音楽ソースとの正確な同期とフレーム単位の正確な配置が可能になりました。
映画での実践的な使用
マーティン・スコセッシ監督の「グッドフェローズ」（1990年）では、47曲のソースミュージックが使用されており、1955年から1980年までの時代を時系列で示し、ジュークボックス、ラジオ、またはライブパフォーマンスを通じて再生されます。クエンティン・タランティーノ監督の「パルプ・フィクション」（1994年）では、チャック・ベリーの「You Never Can Tell」が、ジャック・ラビット・スリムのシーンでのソースミュージックとして、また次のシーケンスへの移行にも使用されています。撮影時には、ポストプロダクションでの編集リズムの柔軟性を確保するために、元の速度の120〜130％で再生されることがよくあります。
比較と代替案
ソースミュージックは、映画の登場人物が聞くことができるという点で、非劇的なスコアとは根本的に異なります。メタ劇的な音楽は、キャラクターの記憶や夢からの音楽という中間的な形態を形成します。現代のシリーズ「ストレンジャー・シングス」では、ソースミュージックがオーケストラの映画音楽にシームレスに移行するハイブリッドなソース・スコアのアプローチが使用されています。プリプロダクションのテンポトラックは、オリジナル楽曲の制作に50,000〜200,000ユーロかかるのに対し、楽曲ライセンスはしばしば10,000ユーロ未満であるため、ライセンスされたソースミュージックに置き換えられることがよくあります。