編集、音楽、構図による段階的な強化——各ショットが緊張感を高める。クライマックス前に不可欠。
爆発する（比喩ではなく、ドラマ上の意味で）シーンを編集する。サスペンスの構築は、すべてのカットをモザイクの石にするためのツールである。個々の瞬間ではなく、互いを高め合うショットの連鎖が重要だ。すべてのカットが状況を悪化させ、すべての画像がリードをさらに引き締める。
セットではすでに感じているだろう。撮影監督は長いテイクを撮る。それは、編集でリズム感のある作業をするだろうと彼が予感しているからだ。編集室でそれが具体化する。カットの長さを短くしていく。導入のショットは4秒、次のショットは3秒、そして2秒、1.5秒。息継ぎの時間が縮まっていく。同時に情報を凝縮していく。視線は鋭くなり、アクションはより正確にカットされ、不要なフレームは編集台に置かれる。サウンドトラックも並行して機能する。サウンドデザイナーは協力し、周波数を上げてくる。音楽はより大きく、あるいは不協和音になる。これらは独立した決定ではない。それらは一緒に機能して初めて意味をなす。
古典的な例は追跡シーンだ。追われる者は走り、追う者と追われる者の間で素早くカットを切り替える。カットごとにカットの長さがフレーム単位で短くなる――120フレーム、90、60、45。画像構成も寄与する。広いショットではなくタイトなショット、より鋭いアングル、顔に近づく。セリフが入る場合は、セリフの終わりではなく、その頂点にカットする。間、沈黙――それらは来るべきもののティーザーだ。
厄介なのは、誤って投与されると、サスペンスの構築はしつこく、あるいは疲れるものになることだ。一部の編集者は、観客も息継ぎが必要であることを忘れている。巧みに配置された息継ぎ――長いショット、静かな顔――は、意図的にテンポを破ることで効果を高める。車の運転と同じだ。人を神経質にさせるのは速度そのものではなく、加速だ。最高のサスペンスの構築は、観客が意識的に認識しないものだ。観客はただ椅子の前に座って息を止めているだけだ。