同時に起こっている、空間的に分離された2つ以上のストーリーラインの間の切り替え——クロスカッティングで緊張感を生成。
編集室に座り、目の前に2つのシーンがあるとしよう。主人公が階段を駆け下り、爆弾がアパートで時を刻んでいる。これらの筋を並行してカットしていく――それが古典的なパラレルアクションだ。空間的には同時ではないが、時間的には同時である。観客は、カメラが2つの異なる場所にいたとしても、両方の出来事がまさに今起こっていることを知っている。このカット戦略は、圧縮によって緊張感を生み出す。リアルタイムでは数秒で終わることを、心理的に引き延ばすのだ。
撮影現場では、まず撮影計画でそれに気づく。監督は、異なるロケーションで、しばしば異なる日に、主人公Aと主人公Bを撮影する。編集では、それらをショットごとに重ねていく――彼らが一緒にいることを示すためではなく、彼らが同時に行動していることを示すためだ。テンポが緊張感を決定する。短いカット（各ショット2〜3秒）は盛り上げ、長いカット（5〜8秒）は落ち着かせる。2つのアクションの間に1つのカットが入っただけでは、まだパラレルアクションではない。リズム、繰り返され積み重なる変化が必要なのだ。
実用的な例はこうだ。ショット1は、夜に家を出る娘を示す。ショット2は、目を覚まし、空の部屋を見る母親にカットする。ショット3は、路上にいる娘に戻る。観客は、シーンが別々に撮影されたとしても、これらの瞬間が同時に起こっていると頭の中で構築する。これは古典的なクロス・カッティングだ――ガス・カビンスキーがスリラーで完成させた技術であり、かつてD.W.グリフィスが追跡劇で用いたものだ。
編集では2つの間違いに注意しよう。第一に、1つの筋に長すぎると同時性を失うこと。第二に、短すぎるカットで、緊張感ではなく焦燥感を与えること。各ショットの長さは、ドラマの重みを担う必要がある――張り詰めた顔の大写しは、状況を説明するショットよりも長くてもよい。サウンドはあなたの味方だ――重なり合う環境音や音楽は、カットがその間を飛び越えても、空間的に離れた2つの世界を結びつける。耳は、目よりもパラレル性を明確にすることが多い。