写真ベースのシーノグラフィ——写真を背景として投影または大判プリント。広大なセットに対してコスト効率的。
舞台背景に大判の写真を配置する――それがフォト・セノグラフィーであり、特に1920年代から1930年代にかけてヨーロッパのスタジオ撮影では標準的な手法でした。複雑な三次元のセットを構築する代わりに、シーン、風景、建築物を写真に撮り、ポスターサイズに引き伸ばして、演技する俳優の後ろに背景として吊るしました。カメラは写真と演技を一度に露光する――これはトリック撮影の技法を一切使わない、純粋な光学的なコンポジットでした。
その利点は明白でした。スタジオのスペースを節約し、撮影時間を短縮し、コストを削減することです。通常なら3週間かかったセットの建設が、写真撮影と合成で数時間で完了しました。特に群衆シーンやパノラマにはこの手法が有効でした――手前の演技だけを正確にライティングすれば、写真の背景が残りの部分を補いました。ドイツやフランスの作品では体系的に利用され、ムルナウも、主要な演出手法ではありませんでしたが、これを用いていました。
問題は露光にありました。俳優と写真の光量を正確に合わせる必要がありました――背景が明るすぎるとすべてが平坦で人工的に見え、暗すぎると俳優が背景に光学的に埋もれてしまいました。撮影監督は、手前の演技と写真の背景が異なるライティンググリッドを必要とするという、レイヤー分離の経験が必要でした。カメラのレンズも役割を果たしました。焦点距離が短すぎると、俳優と写真の背景との間にパースペクティブの破綻が生じました。
1940年代にリアプロジェクション（半透明のスクリーンを通して後ろから投影する）が登場すると、直接的なフォト・セノグラフィーは勢いを失いました。投影は、より柔軟性と明るさ・コントラストの制御性を提供しました。それでも、写真壁紙の手法は、静的で適切にライティングされたシーンの標準として、ヨーロッパのスタジオで長らく使われ続けました。今日でも、一部の作品では、コスト圧迫のためではなく、意図的なビジュアルステートメントとして、引き伸ばされた写真の粒状の質感が望ましい場合に、審美的な理由から大判の写真背景を使用しています。