語り部による日本の人形劇伝統——現代映画言語に影響を与える、特にナレーションと感情的距離感で。
日本の「浄瑠璃」の伝統は、文楽人形劇に起源を持ち、西洋の映画製作者をしばしば困惑させる原則で機能しています。それは、人形が動いている間に、外部の語り手である「太夫」が、出来事を解説し、解釈し、感情的に描写するというものです。この声は劇的な物語の一部ではなく、その上に浮かび上がり、人形が何を感じているかを観客のために語ります。アクションと物語の層のこの構造的な分離は、日本映画の言語に深く根付いており、今日まで影響を与えています。
セットや編集の現場では、それはすぐにわかります。アメリカやドイツの映画が俳優の顔、つまり視線や口元に感情を乗せるのに対し、日本映画は並行する物語の層で作業します。そこでのボイスオーバーは、フィルム・ノワールのように文学的または内省的なものではなく、存在感がありドラマチックです。それは、第二の主人公のように映像に寄り添います。これはまた、俳優がすべてを表現する必要はないことも意味します。しばしば、体の演じられた抑制こそが、声の層に感情的になるようにという合図となります。この関係は階層的ではなく、対話的です。映像と声は互いに意味を交渉します。
溝口のメロドラマや、後の是枝監督の作品のような手法で見ると、それがはっきりとわかります。カメラはしばしば内面の動きを非常にニュートラルに捉えますが、ボイスオーバーのテキストや音楽が感情的な空間を開きます。これにより、感情的な距離を置くことも可能になります。表面上は落ち着いている人物でも、物語の層がその絶望を伝えているのです。これはスタニスラフスキー的な心理的深層演技ではなく、形式的な建築です。浄瑠璃は教えてくれます。声は顔よりも多くを語ることができる、と。
編集者やサウンドデザイナーにとって関連性の高い点：これは、編集や音響ミキシングが従属的ではなく、映像と同等の重要性を持つことを意味します。ボイスオーバーの一時停止が、カットよりも重みを持つことがあります。この伝統はまた、日本映画が西洋映画よりも顔のクローズアップに頼ることが少ない理由も説明しています。魂はクローズアップにあるのではなく、声の層にあるのです。