閉ざされた見えない世界を模倣した舞台装置——窓、ドア、家具が実際の部屋として。開放舞台の対極。
第四の壁が見えないこと――それがイリュージョン・ステージ（幻影舞台）の基本原則である。観客は、あたかも観客が存在しないかのように、自己完結した閉じた空間の前に座る静かな観察者となる。窓は外の空間を縁取り、ドアは別の部屋へと続き、家具は現実生活で置かれるであろう場所に置かれる。この舞台構造は19世紀に生まれ、今日に至るまでリアリズム演劇を支配しており――そして、その演出原則の多くを舞台から受け継いだ映画監督の演出も同様である。
監督にとって、これは具体的には次のような意味を持つ。空間は抽象的な遊び場としてではなく、信憑性をもって住まわれる場所として構築される。俳優は、自分の存在以前からすでに存在していた空間に入る。それは、動きのパターン、視線の方向、あらゆるシーンの内的論理を変える。場面転換が書き割りのように行われるエピソード的あるいはブレヒト的な舞台とは異なり、イリュージョン・ステージは連続的で空間的に一貫した物語を紡ぎ出す。監督は奥行きのある構図で作業する。手前に俳優、その奥にカーテンのかかった窓や壁の絵――すべては本物のインテリアの感覚を生み出すためである。
映画では、この原則は一つのバリエーションを伴って定着した。映画は、古典的な意味での閉じた第四の壁を必要としない――編集は、舞台では不可能であったであろう視点の変化を可能にする。しかし、内的論理は残る。空間は、カメラが単にシーンを示すのではなく、カメラが探求する場所として理解される。室内劇や心理的リアリズムでは、監督は今日でもこのパターンに従って作業する――狭い空間は、人形の家のように調整され、すべての家具は感情的な意味合いのために配置される。デヴィッド・フィンチャーやラース・フォン・トリアーは、デジタルで作業しているにもかかわらず、この原則に従って空間を構築している。
その対極にあるオープン・ステージは、このイリュージョンを意図的に放棄する。そこでは空間は抽象的に扱われ、場面転換は可視的であり、人工性が露呈している。監督にとって、これは根本的な美的決定である。イリュージョンを信頼するか、それともそれを破るか？イリュージョン・ステージは忍耐と細部への注意を要求する――その見返りに、心理的な深みを得るのである。