脚本の書面指示——俳優の動き、身振り、視線、舞台空間の使用。監督はこれを解釈するか意識的に書き直す。
脚本にはセリフ以上のものが書かれています。脚本家は、登場人物がどのように部屋に入るか、どこに座るか、どのような視線を投げかけるかを書き留めます。これらのト書き（Bühnenanweisung）は、シーンのアクションの骨格です。現場では、それらは脚本家、監督、俳優の間で交渉の対象となります。一部の監督はそれに忠実に従いますが、他の監督はそれをその場で却下できる提案と見なします。
ト書きの質は、撮影効率を左右します。正確な記述—「彼女は立ち上がり、ドアに向かって歩き、立ち止まる」—は議論を省きます。曖昧な—「彼女は神経質になっている」—は、後で俳優やカメラとの即興を余儀なくさせます。経験豊富な脚本家はカメラのために書きます。彼らは、画面空間を左から右への動きが、その逆とは異なる効果を持つことを知っています。彼らは単に何が起こるかを記述するだけでなく、動きの方向によって、すでに権力、感情、ダイナミクスについて暗示しています。
ト書きが演技の芸術を妨げる場合、実際には対立が生じます。俳優は、シーンをどのように乗り越えるかについて、より直感的なアイデアを持っているかもしれません—異なる歩き方、パートナーに対する異なる立ち位置。監督（または現場で監督と一緒なら撮影監督）としてのあなたの仕事は、モデレーションです。ト書きのドラマの核（dramaturgischen Kern）を念頭に置きながらも、才能にスペースを与えてください。時にはそれがより良いテイクにつながります。
カメラはト書きに反応します。部屋を横切って移動するキャラクターは、あなたに正面から向かってくるキャラクターとは異なるカメラワークを必要とします。あなたはそれに基づいてカバレッジを計画します—脚本を読んでいるときに、書かれた動きがあなたの計画したショットに機能するかどうか、または考え直す必要があるかどうかをすでに気づいていますか。編集では、ト書きがドラマ的に正しかったかどうか、つまり、動きは自然に見えるか？それは正しく視線を引きつけるか？
ト書きは、ロケーション・スカウティング、カメラ・テスト、俳優との最初のリハーサルの後など、制作プロセスの後半で調整されることがよくあります。それは普通のことです。残るのは基本的な意図です。つまり、身体的なアクションがキャラクターの内面状態を可視化するということです。ト書きが良いかどうかは、それがそれを達成するかどうかです—それが書かれた通りに実行されるかどうかは二次的です。