極度に短いカットとリズミカルなトランジションの高速モンタージュ — ミュージカルシーンの特徴的手法。エネルギーは編集テンポから生じる。
古典的なバラエティ映画、特に1920年代から1930年代にかけて、物語性を重視するのではなく、空間と動きのリズム化そのものを目的とした独特の編集技法が発展しました。ここでは、物語を進めるためにカットするのではありません。エネルギーを生み出すためにカットするのです。すべてのカットはビートに乗り、すべてのトランジション面が視覚的なパルスとなります。目標は、プロットが存在するかどうかにかかわらず機能する、永続的な視覚的刺激の状態に観客を置くことです。
実践的な実施においては、極端なカット頻度、しばしば1秒あたり3〜5カット、時にはそれ以上が用いられます。ここでは、古典的な意味でのカットだけでなく、クロスフェード、ワイプ、アイリス・ブレンディング、幾何学的なトランジションも組み合わせています。素材そのもの、つまりダンスのステップ、表情、装飾的な要素、さらには個々の手足さえも、抽象的な視覚的形態として扱われます。ダンサーはキャラクターとしてではなく、彼女の脚、胴体、腕が個別の視覚的なリズム要素として扱われます。モンタージュは楽譜のように機能します。カットの長さは音楽の記譜法となります。アクセントをつけ、レガートにし、停止させる――すべては純粋なリズムのために。
セットと編集において：この手法は素材の豊富さを要求します。バラエティの演目は、様々なアングル、異なる焦点距離と距離で、何度も撮影されました。エディターは――そしてこれはしばしば意図的に構築的な決定でした――半拍ごとに選択肢を必要としました。カメラは静止したショットを提供し、ダイナミズムは編集で生まれます。これが、Varietyeseを後の時代の「アクション・カッティング」と根本的に区別する点です。アクション・カッティングでは、カメラがすでに動きを生み出していますが、ここではカメラはモンタージュの従僕なのです。
歴史的には、ルトマン、初期の長編映画のダンスシーケンス、1930年代のバズビー・バークレーの演目で最も強く見られます（バークレーはすでにカメラを作曲家として活用していましたが、これはハイブリッドな形態です）。この技法は現代的ではありませんが、その原則――編集速度を独自のドラマツルギー的手段として使うこと――は、ミュージックビデオ、広告、様式化されたアクションシーケンスの中に生きています。ストーリーを語るのではなく、純粋なエネルギーを伝えるモンタージュ・シーケンスが必要な場合、Varietyeseがあなたの参照モードとなります。