映画のクリップを編集した映像シーケンス——30～120秒でストーリーを売り込む。テンポと音楽がすべてを決める。
数カットと適切な音楽があれば、観客はたちまち映画館に足を運ぶ。それが予告編 — そして、30秒から120秒でストーリーを「売る」か「浪費する」かによって、うまくいくかどうかが決まる。撮影現場では映像について考えるが、予告編の編集では、観客が抵抗できないようなサスペンスを構築するセールスマンのように考えなければならない。
仕組みは単純だ。既存の素材 — すでに撮影され、ラフカットされたシーン — から、新しい独立した物語を編集する。これは単なるカットではない。「この映画の約束は何か？」と自問する。あらすじではなく、感情的あるいは物語的な約束だ。ドラマは葛藤と転換で生き、アクション映画はテンポと視覚的なスペクタクルで生き、ホラーはネタバレではなく示唆を必要とする。音楽は効果の60パーセントを担う — アクションが1秒も始まっていないうちにトーンを設定する。カットはランダムではなく、ビートに合わせるべきだ。すべてのショットは疑問を投げかけるか、答えを与えるものでなければ、カットされる。
実際には、いくつかの予告編タイプを区別できる。ティーザー（15〜30秒）は謎めいており、しばしば文脈のない雰囲気やセットピースに過ぎない — ソーシャルメディアやプレマーケティング用だ。フル予告編（60〜90秒）はより多くを語り、ストーリーの構造を明かすが、結末は明かさない。一部のスタジオは、異なる市場やプラットフォームのために3〜5つのバリエーションを制作する。これは骨が折れるが、必要だ。アメリカで通用することが、ドイツでは通用しない。そして、携帯電話の画面で機能することが、25メートルのIMAXスクリーンでもやはり響く必要がある。
エディターはオリジナルの編集チームと密接に連携するが、しばしば追加で撮影された素材 — クローズアップ、別テイク、純粋なプロモーションショット — も使用する。サウンドデザインとカラーグレーディングは、映画の最終版とは異なる。予告編は、よりアグレッシブな圧縮、より明るい色、より大きな音量レベルを必要とする。タイミングで遊ぶ — ポーズはサスペンスを生み、速いカットはエネルギーを生む。フェードイン vs ハードカットは、シーンごとの戦略的な決定だ。そして、最初の5秒のフックが、観客が視聴を続けるかスキップするかを決定する。これは芸術ではなく、職人技 — 素晴らしい職人技だ。