同期音声を持つ動く画像——台詞、音楽、音響設計が等しい物語層を形成する。物語の選択肢を2倍にするが、明確性を要求する。
1930年代初頭に同期式サウンドトラックが導入されたことは、技術的な革新というよりも、むしろドラマツルギー上の革命でした。突然、声、足音、ドアのきしみ、音楽は、もはや後付けの効果として機能するだけでなく、物語の同時的かつ不可欠な要素となったのです。これにより、セットでの、そして編集での、あらゆる決定が新たな深みを持つことになります。視覚的に機能するカットが、音響的には壊滅的である可能性があります。対話は、理解できるだけでなく、映像だけではもはや伝えきれない空間、雰囲気、緊張感を伝える必要があります。
実際には、サウンドは装飾ではなく、後処理でもなく、ドラマツルギーなのです。キャラクターが動きながら話すと、目だけでは作り出せない空間が生まれます。空間の響き――反響する、こもった、開けた――が、その空間の広がりと個性を与えます。音楽は、カットを遅くしたり速くしたり、シーンを滑稽にしたり恐ろしくしたりすることができます。これは計り知れない可能性を開きますが、同時に明確さも要求します。すべてを見せ、すべてを聞かせることができるわけではありません。何を聞かせ、何を聞かせないかの決定は、映像の構図と同様に重要な、中心的な芸術的選択となります。
セットでの作業自体も根本的に変化します。音は脇で録音されるのではなく、音響が空間デザインの一部となり、マイクの配置がキャラクターがどれだけ近くまたは遠く感じられるか、カメラがどこに置けるかに影響します。編集では、映像と音が機械的に一致するわけではないことを学ばなければなりません。ジャンプカットは、音がそれを繋ぎ合わせ、連続的にすることで、視覚的に見事に機能します。あるいはその逆で、静かなカットは、音の不連続性によって電気的に帯電します。
サウンドフィルムは、映画芸術を単純化したのではなく、倍増させました。それは、層化による深みをもたらします。見えるものは、聞こえるものによって、皮肉られ、肯定され、あるいは完全に再解釈される可能性があります。これを理解する者は、映像と音を並行して作業するのではなく、単一の、多感覚的な物語言語で作業しているのです。