同期音声を持つ最初の長編映画—1927年『ジャズシンガー』は無声映画時代を終わらせた。物語と撮影技術を根本的に変えた。
1920年代半ばに導入されたトーキー（発声映画）は、映画の語り口を根本的に変える転換点となりました。それまで後から挿入できたセリフ、音、音楽は、アクションと同時に録音されなければならなくなりました。それは単純に聞こえましたが、サイレント映画に慣れていた人々にとっては、技術的にも美的にも大惨事でした。
撮影監督にとっては、当初は後退を意味しました。初期の録音機器はうるさく、振動し、防音されたケージに収容する必要がありました。カメラ自体も固定され、パンもドリーもズームもできなくなりました。俳優たちは、画面の外に目立たないように突き出さなければならないマイクの前で、じっと立っていました。それまで速いカットと表現力豊かなカメラワークで仕事をしてきた監督たちは、突然身動きが取れなくなりました。それは映画的な後退思考であり、映画ではなく演劇の撮影を行っているようなものでした。
しかし、観客が求めていたため、このシステムは普及しました。そして数年のうちに、技術者やクリエイターたちはそれに慣れることを学びました。録音はよりモバイルになり、マイクはより賢く配置されるようになりました。撮影監督は、音のせいで、ではなく、音のおかげで、新しい動きのパターンを開発しました。パンは、セリフと空間音響と調整される必要がありました。それは、より正確で、より思慮深い仕事につながりました。モンタージュの美学は変化しました。セリフの連続性が重要になったため、テイクは長くなり、カットは少なくなりました。
興味深いことに、多くのヨーロッパの映画製作者は、当初これを芸術的な敗北と見なしました。リアルすぎる、視覚的なファンタジーが少なすぎる、と。しかし、それは純粋主義でした。トーキーは、キャラクター描写に新しい被写界深度、言語による新しいリズム、新しいドラマツルギーの可能性を可能にしました。もはや常にパントマイム的な演技で補う必要がなくなったため、照明設定はより繊細になることができました。だからこそ、この移行は急進的でしたが、退行的ではなく、ただ異なっただけでした。今日でもサイレント映画の美学を賞賛している人は、最高のサイレント映画作品がしばしば芸術的な選択ではなく、純粋な必要性であったことを忘れています。