キャラクターを交互に切り替える2つのショット—対話の標準パターン。直接感と空間的緊張を生む。
撮影現場では、セリフを撮影する際に、後で編集作業ができるかどうかがすぐに決まります。ショット・リバースショット — 文字通り向かい合う2つのカメラポジション — は、そのための技術的な基盤です。1台のカメラが俳優Aを正面またはやや斜めから撮影し、もう1台のカメラが俳優Bを反対方向から捉えます。編集では、これらのポジション間を、通常はセリフのリズムやシーンの感情的な重みに合わせて切り替えます。
その実用的な意味は、近さと臨場感を生み出すことができるという点です。ロングショットが2人のキャラクターを同時に映し出すのに対し、ショット・リバースショットは空間を断片化します — 各人物は独自の、完全な視覚的注意を受け取ります。これにより、視聴者は常に視点の切り替えを強いられるため、無意識のうちに緊張感が生まれます。対立シーンは、ショット間の切り替えを速くするとより緊張感が増し、親密な対話はよりゆっくりと呼吸します。編集の頻度が感情的な武器となるのです。
撮影時には、技術的に正確である必要があります。アイラインが合っていなければなりません — 両方のカメラは、俳優間の仮想的な軸の下に配置されるべきです。そうでなければ、映像軸がずれてしまいます。視線ベクトルは交差する必要があります。俳優Aは画面に向かって（左端から）見込み、俳優Bは右端から見込みます。典型的な間違いは、重なりすぎることです — 両方がほぼ同じ位置に配置されていると、空間的な明瞭さを失い、パターンが退屈に見えます。
編集の流れにおいて、ショット・リバースショットは、単調さを避けるために、ミドルショット — 短いロングショット、手やテーブルの上の物体のクローズアップ — を使用する場合にのみ機能します。2つのヘッドクローズアップ間の純粋なピンポン編集は、機械的に見えます。優れた編集の決定は、ショット・リバースショットの構造内でもショットサイズを変化させます。例えば、まずクローズアップ、次にミディアムショット、そして再びクローズアップといった具合です。これにより、空間的な論理を破壊することなく、ダイナミズムを維持できます。