パルチザン映画

パルチザン・シネマは、古典的な物語映画への意図的な拒絶から生まれました。それは逃避や同一化のためではなく、覚醒のために撮影されるのです。観客は夢見るのではなく、立ち上がるべきです。この作業は扇動戦略に従います。抵抗、階級闘争、抑圧のドキュメンタリーまたは半ドキュメンタリー映像は、政治的行動を促すように編集され、解説されます。これは古典的な意味でのドラマツルギーではなく、素材による議論です。

実践的には、セットと編集において心理的リアリズムを徹底的に拒否することを意味します。共感を呼ぶカメラ、クローズアップ、道具的な音楽は避けられます。その代わりに、距離を作り出すための全体像、カット、ナレーションが用いられます。カットのリズムは物語の緊張ではなく、事実と議論の論理的な順序に従います。ブレヒトの影響とは具体的には、あらゆるフレームに疎外効果を組み込むことです。観客は自分が映画を見ていることを忘れてはなりません。そうして初めて、批判的に考えることができるのです。

実践的には、1920年代のソ連のプロパガンダ映画（エイゼンシュテイン、ヴェルトフ）、イタリアのネオレアリスマ、1960年代のマーカーやゴダールのようなドキュメンタリストに見られました。しかし、イギリスの労働者階級ドラマやフランスの68年5月映画もこの原則に従って機能しました。16mmやそれ以下の機材で撮影するのは、倹約のためではなく、美学的な声明としてです。粒子感、技術的な欠陥が政治的な形態となります。モンタージュはハードで、時には粗削りです。オーバーラップは避け、観客をショックさせるための直接的なカットが用いられます。

難しさは、扇動映画がすぐにパンフレット、単なるテーゼの図解になってしまうことです。最高のパルチザン映画は、形式自体が議論するとき、つまりカメラ、編集、音が単なる道具ではなく、それ自体がイデオロギー的な立場を表現するときに成功します。感情的なトリックをすべて放棄し、代わりに構造による純粋な説得力を創造しなければならないため、これは古典的な映画よりも技術的に要求が高いのです。