ワンカットで全シーンを撮る——カット割りなし、アングル変更なし。綿密な構成と何度もの打ち合わせが必須。
カットなしで、最初のフレームから最後のフレームまで、すべてを完結させる必要があるシーン。それがワン・ショットであり、古典的な編集とは全く異なる要求を突きつけられる。ここではモンタージュのリズムではなく、リアルタイムでの空間的連続性が重要になる。カメラは動き、俳優たちは空間を navigated し、照明と音響はシームレスに追従しなければならない――すべてをワン・テイク、あるいは少なくとも単一のショットで実現する。
実際には、後で編集するために複数のカメラポジションを撮影するのではない。代わりに、アクション全体が完璧に進行するまで撮影を続けるか、あるいは意図的に複数のテイクを受け入れて最良のものを選ぶことになる。労力は準備段階に集中する。演技の振り付けはダンスのように完璧でなければならない。カメラの動き――ステディカム、ドリー、あるいはフリーハンドであっても――は、役者の位置と同期しなければならない。照明はテイク間で簡単に変更できるものではなく、アクション全体を支える一貫した照明が必要になる。これにより、撮影計画が極めて重要になる：フロアプラン、動きのテスト、最初のロール前の複数のカメラ・ドライ・ラン。
利点は？ 圧倒的な空間的明瞭さ。観客はリアルタイムで空間を体験するため、決して方向感覚を失わない。論理的な問題を隠すような隠しカットは存在しない。同時に、ここで何も後処理されていないという知識から緊張感が生まれる――すべてのミスはテイクの中で見える。これは意図的に利用できる：ワン・ショットは、真正性、存在感、そして振り付けが意図的に脆く保たれている場合には、コントロールの喪失感さえも伝えることができる。
これに関連する概念としては、リアルタイム編集（複数のカメラアングルをライブで再編集するが、ドラマの時間経過はリアルなまま）や、ロングテイクの哲学（長いショットが必ずしも中断されないわけではないが、カットは最小限に抑えられる）がある。ワン・ショットはよりラディカルなバリエーションであり、隠されたトランジションのない絶対的な連続性を実現する。これには撮影での忍耐、準備での精度、そして後でほとんど仕事のない編集マンが必要とされる。