60年代半ばからの社会現実主義映画の波——低予算、地域の真正性、ローチのような若き監督たち。スタジオシステムからの決別。
1960年代半ば、新しい世代の映画製作者たちは、確立されたイギリスのスタジオプロダクションに急進的に別れを告げました。突然、大手スタジオがアジェンダを決定するのではなく、ケン・ローチ、マイク・リー、トニー・ガーネットのような監督たちは、最小限の予算、実際のロケ地、そして脚本にない瞬間で活動しました。これは様式的な遊びではなく、メディアそのものに対する政治的な姿勢でした。カメラはセットを離れ、マンチェスターやバーミンガムの労働者階級地区へと向かいました。俳優たちの訛りは、南部の観客のために薄められることなく、本物のままでした。
この運動は、確立された慣行とは技術的に異なる方法で機能しました。スーパー16mmや、その時代より前のミニDV — 手に入れられるもので作業しました。編集はそれほど洗練されておらず、照明セットアップは控えめで即興的でした。ハンドヘルドカメラはスタイルの手段ではなく、必要性でした。これにより、以前のスタジオプロダクションの無菌的な完璧さよりも、観客に近づくドキュメンタリー的な美学が生まれました。例えば、ローチは『ケス』（1969年）を、イギリスの観客を動揺させ、同時に「これは私たちの物語だ、他人の物語ではない」と認識させるような生々しさで撮影しました。
セットでは、これはヒエラルキーの完全な逆転を意味しました。撮影監督は、照明ムードを事前に定義する芸術的な権威ではなく、ナレーションと社会的なメッセージの道具でした。脚本は撮影中に改訂されました。ドキュメンタリー的な真正性が、ドラマツルギー的な完璧さを凌駕しました。カメラへの直接的な視線、第四の壁の破壊は、突然間違いとは見なされず、急進的に正直なものと見なされました。
この波は単に消え去ったわけではありません。それはイギリス映画が自己をどのように理解するかを変えました — エンターテイメント製品としてよりも、社会的な証言として。今日でもキッチンシンク・リアリズムや社会批判的な現代映画について語る者は、1960年代のこの世代が磨き上げたツールと姿勢で活動しています。今日の予算は大きいですが、根本的な問いは残ります：私たちは誰の物語を語っているのか、そしてそれはどれほど正直であって良いのか？