主要シーン間の短編シーンまたは音楽シーケンス — リズムを破り、呼吸の空間を作る。オペラ映画では古典的、現代的な構造的断裂で使用。
編集において、私たちはインターミッツォを用いて、緊張感を失うことなく、映画に「息抜き」をさせます。大きなドラマチックな瞬間の間に挟まれる短いシーンや音楽シーケンスは、単なる休憩ではなく、リズミカルなアクセントをつけます。観客はこれらの瞬間を必要としており、それらは疲労を防ぎ、単なるプロットの時系列を超えた映画の内部構造を与えます。
古典的なオペラ映画では、インターミッツォが一般的でした。歌手が舞台裏で声を休めている間に、風景、ダンス、またはオーケストラの映像が映し出されました。現代では、この原則をより繊細に活用しています。アクションシーケンスの後の静かな瞬間、サブプロットへの移行、空虚な空間を巡るカメラワーク、あるいは（アートハウス映画でしばしば見られる）ドラマチックな機能を持たないように見える瞑想的なシーンですが、それは内部のリズムを完全に変えます。幕と幕の間の休憩を考えてみてください。その後の映画の「息遣い」は異なります。
実際には、これは編集において全てを立て続けに詰め込まないことを意味します。2人の登場人物が激しく口論する8分間のシーンの後、窓の外を見る誰か、音楽の開始、光の変化といった45秒のインターミッツォが必要になるかもしれません。あるいは、カットが完全に離れることもあります。別のロケーション、別のサウンドデザインへ。これは感情的な緊張を解きほぐし、それを殺すためではなく、再充電するためです。これなしでは、長い映画は苦痛になります。
インターミッツォは構造的にも機能します。一部の監督は、それを意図的な演出手段として利用します。ヴィム・ヴェンダースや、インターミッツォがメッセージとなるスローシネマの特定のスタイルを考えてみてください。ここでは時間が許容されます。長さは問題ではありません。それは意図的な配置の問題です。30秒でも3分でも、それが適切であれば、観客はそれを中断ではなく、必要なリズムの変化として認識します。それが秘訣です。人工的に見えるのではなく、有機的に感じられなければなりません。