黒白フィルムに手作業で着色——フレームごとに塗料を施す。歴史的な技法だが、いまでもスタイリスティックな効果として使われる。
カラーフィルム技術が標準化される以前は、彩色家たちは直接、筆、エアブラシ、染料をセルロイドフィルムに用いて作業していました。オイルカラー、水彩、ガッシュなどが1コマずつ塗布されていましたが、これは純粋な忍耐力と確かな眼を要する職人技でした。色は、下の白黒の明暗がまだ見えるほど透明でなければならず、同時にフィルムプリントを傷つけてはなりませんでした。1本の傷、1つのムラが、全ての作業を台無しにしてしまう可能性がありました。
歴史的には、この技法は1900年代から1920年代にかけて支配的でした。パテ・フレール、初期のメリエス作品、あるいは色が求められ、化学的なプロセスが利用できなかったあらゆる場所で用いられました。彩色家たちは専門的な職人であり、しばしば女性で、大規模なスタジオでマニュファクチャリングに近い環境で働いていました。各フィルムプリントは一点ものであり、プリント間のばらつきは避けられず、許容されていました。これにより、今日では再現できない視覚的な特徴が生まれました。各コマは、実際に描かれていたため、まるで絵画のように生き生きとして見えました。
今日、この技法は、技術的な必要性からではなく、芸術的な意図から再び用いられています。意図的に手仕事感のある、不完全で有機的なルックを追求する実験映画作家やVFXアーティストは、デジタル技術を用いてその効果を模倣したり、あるいは本物のフィルム素材に本物の手彩色を施したりしています。違いは、もはや全体性を目指すのではなく、アクセントに焦点を当てることです。色は、義務的な追加要素としてではなく、デザイン要素として、選択的に彩色されます。キャラクターの顔には頬に赤みが差され、背景はグレーのままです。これにより、フラットなデジタル彩色では再現が難しい、深みと感情的な存在感が生まれます。
今日のVFXの実践では、この用語はフィルム素材に対するデジタルな手作業によるレタッチ、つまりマットペイントや選択的なカラーグレーディングにもしばしば用いられます。アーティストは、手仕事の印象を保つために、意図的に不完全な作業を行います。これに対極するのが、無機質な完璧さを追求する、自動化されたピクセル単位のカラーコレクションです。真正性や特定の視覚的キャラクターが必要な場合、「機械が作ったように見せるべきか、それとも手で創られたように見せるべきか？」と自問します。