2フレーム間の空白部分——物理的なギャップ。観客が心理的に動きを埋める。
連続する2つのイメージの間にある空白――コミックであれ、映画のセルロイドレイアウトであれ――は、鑑賞者に「見えないもの」を思考させる。この「間」は間違いではなく、編集論理における意図的な戦略である。そこに何が起こるかは、観客の頭の中にのみ存在する。それは、カメラが映像を提供しない場所に想像の余地を生み出す、映像物語における最も強力なツールとなる。
セット上や編集論理において、「間」は目に見えないカットのように機能する。2つのショットを並置する場合――例えば、左を見る顔のクローズアップ、次に左外景のワイドショットへのカット――その間のアクションは「間」で起こる。観客は動き、空間、時間を補完する。古典的な例：カウボーイがフレームの左を見つめ、カット、右から銃――緊張感はイメージ間の瞬間に宿る。この「間」がなければ、それは単なる映画に過ぎない。それがあれば、それは文法となる。
撮影監督や編集者にとって、これは具体的には、すべてを見せる必要はないということだ。視線の方向、体の緊張、カット前の最後のフレーム――これらのヒントで十分だ。残りは脳が補う。これもまた、編集リズムが決定的に重要である理由だ。長い「間」（遅いカット）は、より多くの精神的な作業を可能にする。速いカット――連続する短い「間」――は、視覚的なテンポを生み出す。セットデザインでもこれを利用できる：完全な逃走経路を示す代わりに、カット。観客は自ら動きを補間する。
デジタルワークフローにおいても、この概念の力は失われていない。モーショングラフィックス、VFXトランジション、ジャンプカットでさえ――それらはすべてこの「間」で遊んでいる。ジャンプカットは過激だ：同じオブジェクトの2つのイメージだが、時間的にずれている。「間」は、状況に応じて混乱やユーモラスさを生み出す。カラーコレクションやグレーディングでも同様だ：カットをまたぐ微妙な色の変化は、「間」を心理的に高めたり、抑えたりすることができる。それは見えないのではなく、単に示されていないだけなのだ。