映画の世界の中で鳴っている音楽——舞台のオーケストラ、車のラジオ、クラブのライブバンド。観客は登場人物が聞くものを聞く。
カラーグレーディングの最中、編集技師がシーンを再生してくれます。探偵がジャズクラブに入り、音楽が盛り上がります。これは作曲家による劇伴音楽ではなく、映画そのものに登場するバンドの演奏です。探偵はそれを聞き、私たち観客も彼と一緒に聞きます。これを「劇中音楽」と呼び、観客を映画の世界に引き込む最も強力なツールの一つです。
劇伴音楽との決定的な違いは、空間的な論理にあります。劇中音楽は diegesis（物語世界）の内部、つまりカメラが映し出す世界に存在します。リビングで時計がチクタク鳴っていますか？それは劇中音楽です。テレビで流れているミュージックビデオですか？劇中音楽です。登場人物がキッチンで作業している間に、見えないスピーカーから流れてくる曲ですか？それも劇中音楽です。登場人物はその音楽に気づき、コメントし、消すことができます。現場では具体的に、再生用の音源（プレイバック）が必要です。俳優は音楽に合わせて踊ったり歌ったりします。そして、この音楽は後で正確に同期されます。編集では、リップシンクが完璧になるまで、編集者は一拍一拍、一節一節をコントロールします。許容範囲はゼロ秒です。
実際には、劇中音楽はスコア（劇伴音楽）とは異なる扱いが必要です。空間的に説得力がある必要があります。バンドが3メートル離れた場所で演奏しているなら、ホールの反対側にいる場合よりも近くに聞こえるはずです。サウンドデザイナーは、周波数カット、リバーブ、音量比率を駆使して、この空間的な奥行きを作り出します。コンサート映画のシーンはどうでしょうか？ここでは劇中音楽が物語のアンカーポイントとなり、人工的に感じられることなく、緊張感を生み出し、感情をコントロールすることができます。ライブバンドが登場する結婚式のシーンは、セリフによる説明よりも、音楽の選択によって登場人物について多くを語ってくれます。
最もよくある間違いは、劇中音楽を劇伴音楽のように大きくミックスしてしまうことです。いいえ、それはセリフや環境音、その他のエフェクトと競合します。技術的に正確であっても、自然に感じられる必要があります。時には、フレームの前方で重要なアクションが行われている場合、劇中音楽は意図的に音量を下げられます。観客には音楽を認識させたいが、支配させたくはないのです。これは最高レベルのバランス作業です。