トランジションなしのカット — あるショットが終わり、次が即座に始まる。最大の正確性と視覚的な硬さ。古典的手法。
2つのショットが、つなぎなしでぶつかり合う。フレームが終わり、次のフレームがすぐに始まる――このラディカルな直接性が、ブト・ア・ブー（カット・イン・カット／ストレート・カット）の核となる原則である。フェードも、ワイプも、滑らかな移行もない。セットでは、編集で初めてその真価がわかる：ハード・カットばかりのカットリストは、トランジションが散りばめられたものとは全く異なるエネルギーを生み出す。
この編集技法は、ヨーロッパの物語映画の黎明期からその特徴となっている。編集者と撮影監督には精密さが要求される――バッファーがないため、各ショットは直接的な接続に耐えうるものでなければならない。悪い構図からワイプで逃れることはできない。これは、セット側での明確な絵作りを強いる。編集においては、ハード・カットによって心理的な力が生まれる：緊張感、鋭さ、決意。ハード・カットが連続する映画は、精密に見え、時にはハードにも見える――カットの密度やリズムの速さによる。
実践は単純だが、効果は複雑である。ショットサイズが段階的に配置されていなかったり、視覚的な移行が似通っていたりすると、硬直したブト・ア・ブー・カットは無機質に見えることがある。そのため、古典的な物語映画では、クローズアップからワイドショットへ、ディテールショットから空間の中の人物へと、サイズの変化を多用する。これにより、リズムに変化が生まれ、観客の視線が意図的に誘導される。カメラマンとして、自分のショットがハードにカットされることを知っていれば、これらのサイズの変化、線の流れ、そして各フレームの空間的な明確さに注意を払うことになる。
移行の意識を生み出すワイプやディゾルブとは対照的に、ブト・ア・ブーは直接的な因果関係を伝える――カットの切れ目は、小さな爆発、対立のように機能する。一部の監督は、精密さとテンポのためにこれを意図的に利用し（ゴダール、ブレッソン）、他の監督は、より滑らかでメロディアスな物語を作るためにハード・カットを避ける。広告映画やミュージックビデオでは、速いブト・ア・ブーが標準であり、様式化されたドラマではしばしば意図的に選ばれる。