在同一戏剧时刻不同镜头或角度之间的切割。创造节奏和视觉多样性，不中断叙事。
在片场，同一场戏会拍摄多次——从不同角度、使用不同焦距，有时甚至用不同的演员进行特写。剪辑时就会出现一个问题：在哪里转场，才能不让剧情停滞？替代性剪辑（Substitution Splice）优雅地解决了这个问题。我们在同一动作的两个镜头之间进行剪辑——例如在全景和特写之间，或在两个摄影机位置之间——恰好在运动经过同一点的瞬间。观众几乎察觉不到剪辑，因为运动的连续性会引导注意力越过剪切点。
在实践中，它的运作方式是这样的：演员将头从左转向右。镜头1从正面拍摄，镜头2从侧面拍摄。在剪辑时，你等待头部到达相同位置的时刻——通常是运动过程中的大约一半——然后正好在那里进行剪辑。替代性剪辑通过运动本身的视觉连续性来掩盖技术性的剪辑。这与匹配剪辑（Match Cut）或叠化（Dissolve）不同；这里是硬切，但方式是让观众不至于丢失叙事和空间结构。
通常，我们使用替代性剪辑来为对话密集的场景注入节奏，而不会让剪辑显得突兀。一个演员抬手摸脸——我们在动作中间点切到特写，观众的目光会跟随手部，而不是剪辑点。身体旋转、手部动作或头部动作也都能可靠地实现这一点。重要提示：两个镜头必须具有相同的运动速度。不同的拍摄模式（60p 对 24p）或慢动作会立即破坏这种错觉。
我们经常使用运动遮挡剪辑（motion-covered cuts）的概念——也可参考概念匹配（Conceptual Match）或运动匹配（Motion Match）。区别在于：在替代性剪辑中，我们主要关注运动连续性作为一种遮挡效果，而不是其背后的叙事逻辑。在片场，应该有针对性地从不同角度拍摄多个镜头，并校准运动。在剪辑时，要留出试错的时间——通常只有几个帧的差异，就能决定剪辑是不可见还是明显可见的。