アメリカのアニメーションスタジオ（1943–1959）。リミテッドアニメーションを革命化した——フラットで幾何学的デザインがディズニーの写実性に対抗。TV動画の美学を確立。
リミテッド・アニメーション、それはディズニーに対する真の反逆でした。UPAは、全てのフレームで完全な動きのサイクルを作るのではなく、意図的に削減された描画と幾何学的な形状を使用しました。1940年代のスタジオは高価で、セルごとのアニメーションは時間と人員を要しました。UPAはオーバーヘッドを劇的に削減しました。中間フレームを減らし、デザインの力を増したのです。これは節約策のように聞こえますが、実際そうでした。しかし、それは美的武器となりました。ピート・バーネス、ジョン・ハブリー、そしてUPAの他のデザイナーたちは、平坦なシルエットと大胆な色の分離が、自然主義的な動きのディテールよりも画面上でより強く作用することを知っていました。
セット、あるいはむしろアニメーション・セットアップでは、それは具体的に次のことを意味しました。何千もの中間位置を計画するのではなく、キーポーズを設定し、大きなジャンプを許容するのです。キャラクターはカクカクしない――彼らは新しい位置に飛びつくのです。これはアニメーターに勇気を要求します。間違ったタイミングの決定はすぐに露呈します。その代わり、視覚的なスピード感、観客を惹きつけるグラフィカルなパンチが生まれます。1950年代のテレビアニメーション――ミスター・マグー、ジェラルド・マクボイング・ボイング――は、UPAがグラフィカルなエレガンスとテンポを組み合わせたからこそ機能しました。1秒あたり24枚のフルフレームによる燃え尽き症候群のような制作ではなく、適切に配置された8枚、10枚、12枚のフレームでした。
現代の実践者にとって、これは関連性があります。今日、2Dデジタル、ストップモーション、あるいはハイブリッドであれ、動きの予算と格闘しているなら、意識していなくてもUPAの原則に従って作業しています。デザインがアニメーションを置き換えるのです。力強いシルエット、色のコントラストの決定、幾何学的なポージング――これらは微妙なトランジションよりも速く伝達します。UPAは広告や説明ビデオの美学にも影響を与えました。あなたが動きのあるデザインの至る所で見かける、フラットでモダンなグラフィックは、ここに根ざしています。今日のモーショングラフィックスの実践におけるUPA原則の再発見は偶然ではありません。それはスタイルになった職人的な効率性なのです。