映像、音声、編集、音楽、デザイン——全要素が等価に結合する映画作品。形式的統一性による全体性。
撮影現場で、この意図を持ってプロジェクトに取り組んでいるかどうかはすぐにわかります。カメラ、サウンド、プロダクションデザイン — それらは単に並行して存在するのではなく、同じ形式言語を話しています。撮影監督は単に撮影するのではなく、音響監督はそれに音楽を添えるのではなく、プロダクションデザイナーは単にセットを構築するだけではありません。すべての要素は、全体を初めて全体たらしめる内的な論理に従っています。
実践的には、編集段階で、サウンドスケープがそれを覆い隠さないために、映像がそれ自体で呼吸できるかどうかを感じ取ることができます。音楽は映像の上に載っているのではなく、カメラと同じ物語の動きの一部なのです。シーンの色調は、アンビエンスの音量カーブと調和しています。これは偶然ではなく、職人的な精度です。すべてのパラメータは、楽譜のように互いに調整されています。撮影における間違った色温度ケルビンは、すべてが互いに接続されているため、編集段階で音響全体に影響を与えます。
標準的なプロダクションとの違いは、一方の層（しばしばナレーションや音楽）が支配的になり、残りがそれに従属することです。総合芸術作品には階層はありません。単なるアンビエントノイズだけの静かな瞬間は、リズミカルにカットされたシーケンスと同じ重みを持っています。背景の影の色は、カメラと顔の近さと同じくらい概念的に重要です。フレームの1ミリメートル、静寂の1デシベル、カットのウィンドウのすべてが調整されています。
これは、準備段階からクルーに絶対的な連携を要求します。カメラチームとは、焦点距離やライティングだけでなく、映像の被写界深度が音響デザインの音響空間の錯覚とどのように対応するかを話し合います。エディターとは、音楽の脈動から切り離して、カットのリズムについて話します。セットデザインとカラーコレクションは、同じ美的確信を持って作業する必要があります。
結果として、観客は映像と音と音楽を個別に認識するのではなく、カメラが何で音楽が何であったかを区別できなくなった、統一された芸術作品を認識します。それが目標です。撮影現場では、近道がないため困難ですが、映画館ではすべての議論に価値があります。