俳優が内的思想または意識の流れを声に出す——オンカメラまたはオフ。リスク：すぐにメロドラマ的になる。抑制と正確なタイミングのみで機能。
編集作業中、「このシーンは息をしていない」と気づく。俳優はそこに立って頷き、横を見て、何を考えているのか全く理解できない。多くの監督がここで「ラウド・シンキング」という杖に頼る。俳優は自分の感情や考えをただ口に出すのだ。解決策のように聞こえるが、それは地雷原だ。
問題はその性質にある。人が本当に考えているとき、それは声に出るのではなく、マイクロモーメント、間、目の中で起こる。それを口に出してしまうと、それはすぐに演技になり、モノローグになり、演劇になる。そして映画における演劇はすぐに恥ずかしいものになる。だから、正しいアイデアだけでなく、それをあたかも観客ではなく自分自身に聞いているかのように、自然に聞こかせるための、あの忌々しいコントロール力を持った俳優が必要なのだ。それはシーンに一度、映画全体で最大二度しか機能しないかもしれない。
実際には、2つのバリエーションがある。オフ・テキスト（映像に重ねるボイスオーバー）と、映像内（俳優が直接話す）だ。オフ・バリエーションは、バッファーを作り、俳優がより思慮深く、演技っぽくなく見えるため、リスクが低い。映像内では、絶対的なタイミングが必要だ。セリフはスピーチのようにではなく、思考のようにカットされなければならない。短いフレーズ、省略、さらには間違い。「それは無理だ。いや。今は無理。」これは効果的だ。「どう対処すればいいかわからないし、とても苦しんでいる」—それはセットでの死だ。
機能する場所：不確実性や偏執的な思考の飛躍が中心となるキャラクター研究。部屋を捜索しながら事件について声に出して考えている探偵。デート前の神経質な人間。しかし、そこでも視覚的な等価物が必要だ—手の動き、震えるような視線。ラウド・シンキングは、唯一の情報源ではなく、あくまで「点」でなければならない。控えめに使い、映像言語だけでは不十分な場合にのみ使う。そうすれば機能する—そしてそれは金になる。