初期映画の用語。脚本または物語そのもの——叙事性より視覚的性質を強調。'劇'より'写真'が重要だった。
映画の最初の20年間――確立された脚本形式の前――映画の物語はフォトプレイと呼ばれていました。その用語自体がプログラムです。古典的な演劇の「プレイ」ではなく、動きのある写真が中心でした。フォトプレイを書く者は、セリフを考えず、舞台装置を考えませんでした。彼はイメージ、カット、光の考察を考えました。このメディアは、まだ発明される必要があった、全く新しい書き方を要求しました。
初期の映画製作者たち、例えば1906年から1920年の間は、すぐに理解しました。演劇の脚本はセルロイドには使えないと。フォトプレイの原稿は、代わりに視覚的なシーケンス、カメラアングル（暗黙的または明示的）、ライティング、カットの連続を記述しました。それは、話される言葉のためではなく、視覚的な思考のための青写真でした。プロデューサーや監督がフォトプレイのテキストを手にしたとき、彼は知っていました。これは映画のコンセプトであり、翻案された小説や盗まれた戯曲ではないと。この区別は当時、決定的でした――それは映画を独立した芸術形式として正当化し、安価な演劇の代替ではないとしました。
実際には、これは具体的に意味されました。フォトプレイの構造は、ドラマの古典的な三幕構成に従うのではなく、視覚的な論理に従いました。モンタージュのリズム、ロングショットとクローズアップの比率、ミディアムショットのアンサンブル――これらが構成要素でした。D.W.グリフィスのような監督は、カットの密度と構図を自分で発明することを可能にするフォトプレイのテキストで作業しました。テキストはガイドであり、束縛ではありませんでした。視覚が王であり、物語はそれに仕えました。
フォトプレイという用語は、今日では歴史学的な化石です――私たちはとっくに脚本と呼んでいます。しかし、それは決定的な瞬間をマークします――映画が演劇から派生することをやめ、独自の語彙を発展させ始めた時点です。歴史家や理論家にとって、フォトプレイはこの解放のマーカーであり続けます。そして脚本を書くすべての人にとって、振り返る価値があります――なぜなら、すべての現代の脚本は、フォトプレイの作家たちが発明した写真的な思考を、依然として担うべきだからです。