スタイルや慣習を意図的に誇張する映画——主に笑いのため。観客がオリジナルを知っている場合のみ機能する。
パロディには共犯関係が必要だ。観客は、何について面白おかしく言っているのかを知っていなければならない。そうでなければ、ジョークは機能しない。撮影現場や編集においては、それは単に映画やジャンルの表面を引用するのではなく、その文法を解体することを意味する。観客に、その仕組みがどのように機能しているのかを見せ、意図的にそれを壊すのだ。
最高のパロディは、同時に二つのレベルで機能する。第一に、認識の価値が定着するように、オリジナルの正確な再現が必要だ――カメラワーク、編集のリズム、音楽、さらには演技スタイルまで。この正確さがなければ、それは知的な解体ではなく、下手な模倣のように見える。同時に、誇張が必要だ：壮大なスコアは大きすぎる音量になり、ドラマチックな瞬間は3秒間長すぎに保たれ、真剣なジェスチャーは不条理な結果によって中断される。撮影監督や編集者としてのあなたの目は、オリジナルを愛し、同時にその様式を攻撃できなければならない。
厄介な点：パロディはすぐに時代遅れになる。2010年にアクション大作の完璧な解体であった映画は、ターゲットとなる慣習がすでに変化している場合、2024年には単に悪い映画のように見えるかもしれない。そのため、真のパロディは、引用を超えた、本当のキャラクター、本当の物語、本当のジョークという別のレベルを持たない限り、長期間機能することはめったにない。
実践的：パロディを撮影する際は、ターゲットとなるオリジナルを正確に定義すること。「アクション映画」ではなく、「マイケル・ベイ風の誇張」や「典型的なハリウッド大作の編集」のように。そして、構図、編集頻度、サウンドデザインに意図的に参照を組み込むのだ。観客はオリジナルを明確に見る必要はないが、無意識のうちに認識するだろう。観客の知性を決して過小評価してはならない――繊細さのないパロディは単なるスラップスティックだ。そしてスラップスティックはそれ自体がジャンルなのだ。