2人以上のキャラクターが対立する目標または信念を追求する——あらゆるドラマのエンジン。紛争がなければストーリーはない。
二人の登場人物が異なるものを欲する――それこそがドラマを生み出す。登場人物間の対立は単なるプロット要素ではなく、あらゆる物語を支える骨格である。それがなければ、編集卓で、まるでドキュメントのような、映画ではない素材に囲まれることになる。現場ではすぐにそれがわかる：二人のキャラクターが相反する目標を持った瞬間、緊張が生まれ、カメラは息づくものを捉えることができる。
実際には、いくつかのレベルを区別する。直接的な対立は明白なものだ：一方はAを欲し、もう一方はBを欲し、両者は積極的にそれに抗う。警官が犯人を追い、女性は去ろうとし、男は彼女を引き止めようとする。これは明確でエネルギッシュだが、両者が一貫して行動する場合にのみ機能する。内面的な登場人物間の対立はより繊細だ――一人の人物は意識的には何かを欲しているが、無意識のうちに自分自身に反抗している。これにはよりニュアンスのある演出が必要だ：言葉と一致しない視線、矛盾する姿勢。撮影中に、そのような瞬間が深みをもたらすことがわかる。
しばしば、その下には価値観の対立がある：資源を争うのではなく、異なる真実の主張を争う。一人の親は罰を信じ、もう一人は理解を信じる。ここでは、ミザンセーヌが決定的に重要になる――両方の立場がその尊厳を保つように、シーンを視覚的にどのように構成するか？これは単に二人を対立させるよりも高度な課題である。
最も重要なこと：対立は能動的でなければならない。受動的な違いは退屈だ。各登場人物は目標を達成するために行動しなければならず、その行動はもう一方の登場人物を直接的に追い詰めなければならない。それが物語を推進する。編集すると、どのシーンが機能するか――つまり、両者が単に話すだけでなく、戦っているシーンだけが――わかる。良い登場人物間の対立はチェスの手のようなものだ：一人の人物が手を打ち、もう一人が反応し、状況は悪化する。このダイナミズムがなければ、カメラワークがどれほど良くても、観客を失うことになる。