1970-80年代のニューヨーク実験運動——故意にアマチュア的、反物語的、パンク美学。リディア・ランチ、ゲリラ映画制作。
1970年代後半のニューヨークのアングラシーンから、確立された映画言語にラディカルに反対する映画的革命が生まれました。アメリカのメインストリーム映画がエフェクトと物語の完璧さを追求する一方で、リディア・ランチ、ノー・ウェーブ・ミュージシャン、アングラ映画制作者たちは、意図的な粗さ、技術的な「アマチュアリズム」、そして拒絶の美学をもって活動しました。素材そのものがステートメントとなったのです――スーパー8の粒子感、露出オーバー、編集ミス、混沌としたサウンドトラックは欠陥ではなく、プロフェッショナルな輝きに対する武器でした。彼らはアパートや路上で、ハンドヘルドカメラを使い、脚本なし、あるいは不条理なアンチスクリプトで撮影しました。映画はパンクロックの延長でした：3つのコードと真実、ただ視覚的なものでした。
実践的には、これはセットでのクラシックな照明とフレーミングからのラディカルな断絶を意味しました。クラシックなカメラマンが（照明、バランス、構図）で仕事をするのに対し、ノー・ウェーブ・シネマはこの職人技をシステムとの共謀として退けました。代わりに、意図的に構成されたとしても、生の人工性、露出オーバーの顔、歪んだ色の瞬間を記録しました。編集は物語のリズムに従うのではなく、精神的な論理に従い、しばしばジャンプカットやフリッカー効果が用いられました。制作者たちは「プロ機材」という考え方も拒否しました：故障したカメラは、失敗の真正性を示すため、完璧なカメラよりも優れていました。
初期のアングラや実験映画（ウォーホル、ブラックヘイジ）との違いは、攻撃的な反美学主義にありました――繊細でもなく、瞑想的でもなく、パンクで、うるさく、不快で、間違った瞬間にコミカルでした。物語はしばしば退廃、セクシュアリティ、不条理を扱っていましたが、治療的な意図はなく、むしろ文化的な吐き出しでした。Collective for Living Cinemaの初期作品やノー・ウェーブのミュージックビデオのような映画は、必要性ではなく、芸術的な手段として、画像の歪み、アナログテープのエラー、ミニマリストな予算を利用しました。
この運動は、しばしば周縁化されながらも、インディペンデント映画の風景に永続的な影響を与えました。後にインディーズ映画制作者たちは、真正性を求める際に、この美学を再び取り戻します。違いは、彼らがそれをできることを知っており、意図的に完璧さから逸脱することです。ノー・ウェーブ・シネマは戦略というより必要性でした――それは、他に何も持たなかったシーンにとって、唯一の正直な言語でした。