80年代の転換点：黒人監督が黒人のナラティブを支配——スパイク・リー、シングルトンが著作権を主張。過激な独立映画運動。
この運動は、ラディカルな焦燥感から生まれた。1980年代の黒人監督やプロデューサーたちは、白人スタジオの論理というフィルターを通して自分たちの物語を語ることを拒否した。彼らはカメラを自らの手に取り――システムの中のアシスタントとしてではなく、自らの物語の作者として。これはポストコロニアル的な意味での表象の問題ではなく、経済的・芸術的なコントロールの問題だった。スパイク・リーの『シーズ・ガッタ・ハヴ・イット』（1986年）やジョン・シングルトンの『ボーイズ・ン・ザ・フッド』（1991年）は孤立した事例ではなく、権威の許可を待つことを拒否した世代運動の徴候だった。
撮影現場や制作現場では、具体的には黒人のクルー、黒人の撮影監督、黒人の音響技師といった具合だった――世界観全体が内側から来るべきだった。これらの監督たちは、ハリウッドがこれまで無視したり異国情緒を煽ったりしてきた日常的なシーン、すなわち都会の近隣地域、家族内の葛藤、黒人コミュニティの経済的現実に取り組んだ。犠牲者や脇役といったメロドラマ的な役割ではなく、心理的な複雑さ、ユーモア、矛盾を描いた。これは形式的にもラディカルだった。ハンドヘルドカメラ、ロケーション撮影、クラシックな映画編集ではなくヒップホップのリズムに合わせたカットなどである。
経済的な側面も芸術的な側面と同様に重要だった。独立した資金調達、黒人スタジオや配給業者――バリューチェーン全体が利益を外部に流出させないようにした。これは当初機能した。1990年代には、黒人映画製作者の本格的なブームが映画界で見られた。しかし、ここでも古い論理が現れた。主流スタジオは市場の可能性をすぐに認識し、経済構造を変えることなく、この美学を取り込んだ。
概念的に残るのは、基本的な考え方である。「カメラを持つ者が真実を決定する」。これは理想主義ではなく、唯物論的に考えられたものだ。独自の資金調達モデルを持つ黒人監督は、白人監督がスタジオ予算で同じ物語を撮るのとは異なる物語を、異なる方法で語る。したがって、ニュー・ブラック・シネマは、単なるインクルージョンの批判でもあった――誰が現場で働き、誰が編集し、誰が利益を得るのか、というのが真の問いだったのである。