アニメーションの各ショットの空間構成——カメラ位置、パースペクティブ、被写界深度を定義。アニメーション前にストーリーボードを3D空間に変換。
アニメーションにおけるレイアウトは、ストーリーボードとアニメーションの架け橋であり、平坦な絵を三次元空間に翻訳する作業です。監督が鉛筆でスケッチしたシーンを前に、カメラをどこに置くか、どの角度が物語を正しく伝えるか、被写界深度はどれくらいにするかを決定します。これは装飾的な作業ではありません。レイアウトは、1フレームもアニメートされる前に、シーンが成功するか失敗するかを決定します。
実作業では、スタジオや予算に応じて、デジタルモックアップまたは従来のレイアウトを作成します。キャラクターを空間に配置し、遠近法に沿って周囲を描き、パン、ズーム、ドリーなどのカメラの動きを矢印や注釈で示します。これは芸術的な絵画ではなく、技術的な描画です。定規、コンパス、スケール、またはBlenderやToon Boomのデジタルツールを使用します。光が空間にどのように落ちるか、影がどこにできるか、奥行きがどのように機能するかを知る必要があります。間違ったレイアウトは、アニメーターが後に不可能な動きを実装したり、空間的に合わないポーズを修正したりすることを余儀なくさせます。
最も一般的な間違いは、ストーリーとレイアウト間のコミュニケーション不足から生じます。監督は親密な感情的な瞬間を求めているのに、カメラを遠くに配置してしまう。あるいはその逆で、アクションには息をするための空間が必要なのに、レイアウトがすべてをクローズアップに押し込めてしまう。カットの順序を理解する必要があります。前のショットが広角だった場合、次のクローズアップカットは、パースペクティブを適切に移行させないと、唐突に感じられます。レイアウトもまた演出であり、カットの順序と同じように、視聴者の視線を誘導します。
現代のプロダクションでは、レイアウトチームはしばしばデジタルで三次元的に作業します。仮想セットを構築し、カメラを配置し、リアルタイムで動きをテストします。これにより、修正ラウンドが削減されます。より伝統的なスタジオでは、奥行き線、全体図、詳細図を備えたフラットなレイアウトが作成されます。どちらの方法も同じ分析的な視点を必要とします。空間的思考、技術的な正確さ、そして視覚的なリズムを理解する能力です。レイアウトは基盤であり、アニメーションはその上に構築されますが、ここでうまくいかなかったことを根本的に救うことはできません。