意図的なバリエーションを加えてシーンを複数回撮影—異なるアングル、タイミング、演技のニュアンス。編集選択肢を生成し最良のテイクを確保する。
シーンがうまくいっているように思えても、それが編集で本当に活きるかどうかは分からない。そこで、もう一度撮影する。さらに、もう一度。異なるアングル、異なるテンポ、異なる感情のニュアンスで。これがイテレーション（反復）だ。完璧主義ではなく、職人技による確実性の確保だ。自分自身と、後で編集者に選択肢を与えるのだ。
実際には、これは具体的に何を意味するかというと、まずマスターアングルでセリフのシーンを撮影し、次に個々のクローズアップ、そしておそらくオーバー・ザ・ショルダーのバリエーションを撮影する――これが標準だ。しかし、俳優たちにそのシーンをもう一度演じてもらう。今回は速く、次は遅く。感情がより強く出ているバージョンと、より繊細なバージョンを求める。カメラの位置を5度変える。これらのテイクのそれぞれがイテレーションだ――不安だからではなく、最高の編集バージョンは素材の中からしか見つけられないからだ。
黄金律：重要なショットごとに、少なくとも3つのクリーンなテイクを撮影すること。同じ素材の3つのテイクではなく、3つの反復バージョンだ。1回目は照明の雰囲気と俳優のエネルギーをテストする。2回目は、見たものに基づいて最適化する。3回目は、最初の2つのテイク中に思いついた新しいバリエーションを持ち込む。そうすれば、後で編集する際に、1つの道筋だけでなく3つの選択肢がある――そして編集者は、妥協することなく最良のバリエーションを組み立てることができるため、感謝するだろう。
イテレーション作業は、心理的にも重要だ。それは、完璧なテイク1回にかかるプレッシャーを取り除く。チームはリラックスし、俳優たちはもっと試してみようという勇気を持つ。しばしば、最高の素材は後のイテレーションで生まれる――緊張が解け、残るのは職人技だけになったときだ。そして、確かに、それはセットで時間を要する。しかし、後で編集の段階で、決定的なバリエーションが欠けており、望まない妥協をしなければならないことに気づくよりも、時間はかからない。