カメラの単一の連続録画。同じショットの複数テイクにより、編集と演技の選択肢が生まれる。
セットに立ち、カメラが回り、女優がセリフを言う――それが「ショット」です。「ローリング」から「カット」まで、途切れのない記録が行われます。途中でカットが入ったり、カメラが止まったりすることはありません。これは編集で後から使う素材の元となる単位です。ショットは3秒で終わることもあれば、3分続くこともあります――重要なのは、それが一連の流れとして記録されていることです。
同じショットを複数テイク撮ることがなぜ不可欠なのかは、すぐに実践でわかります。最初のテイクは完璧だった――しかし、俳優が最後の最後に転んでしまいました。2番目のテイク：音響の問題。3番目：照明が揺れた。4番目はうまくいきました。しかし、5番目は感情表現がさらに豊かでした。編集では、どのテイクが最も効果的かを選択します――あるいは、技術的な質が良く、演技も合っていれば、異なるテイクの一部を組み合わせて「コンポジット」を作成することもできます。プロと初心者の違いはここにあります：選択肢を持つために、どれだけ多くのテイクを撮るかです。それは不安からではなく、技術だからです。
セットでは、シーン全体を広く捉えるマスターショットと、クローズアップ、オーバー・ザ・ショルダー・ショットなどを区別します。それぞれが独立したショットであり、それぞれに複数のテイクが必要です。初心者は2つのショットでシーンを撮り終えたと思い、それで十分だと考えます。しかし、編集で手詰まりになります。経験豊富な監督や撮影監督は、同じシーンを8つ、9つのショットで撮ります――異なる焦点距離、異なるアングル、リアクションのクローズアップ。これにより、編集における柔軟性、リズム、緊張感が生まれます。
テイクという言葉はしばしば同義語として使われますが、技術的にはより正確です：それは番号付け――テイク1、テイク2、テイク3です。スクリプト・コンティニュイティと編集者は、各テイクをタイムコードと注釈付きで記録します：「テイク3、フレーム1247までは良いが、その後サウンドのエラー」。これにより、編集で貴重な時間を節約できます。何百分もの生素材を巻き戻すのではなく、どのテイクがどこにあるかを正確に把握できます。そのため、セットでの監督、カメラ、スクリプトの間の明確なコミュニケーションが基盤となります――それによって初めて、生素材が利用可能な素材になります。