言葉と意図のギャップ——または期待と映像現実の乖離。観客が矛盾を見抜いてこそ機能する。
アイロニーは、表面的な意味と真実との間の断絶によって成立する。そして、この断絶は可視的でなければ機能しない。映画におけるその働きは、演劇や小説とは異なる。ここでは、観客がその仕掛けを見抜くかどうかをカメラが決定する。セリフを完全に真面目に演じさせても、映像の構成や音楽が別のことを語っていれば、その断絶が生じる。これは職人的な精密作業である。
古典的な例：登場人物が、表面上は肯定的または無邪気に聞こえることを言うが、視覚的な文脈（表情、編集、環境）は反対の真実を示している。犠牲者に、どれほど助けてあげられるかを説明するエージェントを想像してほしい。その一方で、背後ではすでに罠が仕掛けられている。観客は両方のレベルを同時に見て、この矛盾によってアイロニーを理解する。この視覚的な補完性がなければ、それは単なる嘘か、下手な演技に終わる。
アイロニーが繊細すぎると危険だ。観客はそれを見失い、シーンは意図せずコミカルになったり、混乱を招いたりする。あるいは、それを露骨にしすぎると、漫画のようになってしまう。撮影監督と編集は、演出を損なうのではなく、それをサポートしなければならない。光のコントラスト、編集のタイミング、サウンドデザイン――すべてが連携しなければならない。アイロニーを愛する監督（コーエン兄弟、ポール・トーマス・アンダーソン）は知っている。カメラは一瞬長く映し、編集は1フレーム遅れて入り、音楽は映像と矛盾する。
ドラマ的アイロニー（観客は登場人物よりも多くのことを知っている）と状況的アイロニー（現実は期待に反して展開する）も区別すべきだ。映画では、登場人物を欺く映像を見せ、そして真実を見るため、ドラマ的アイロニーの方がしばしばうまく機能する。状況的アイロニーは、理解できるようにするためにより強力な編集とモンタージュ作業を必要とする。注意：アイロニーを皮肉（サルカズム）と混同してはならない。皮肉は態度であり、アイロニーは矛盾の構造である。映像においては、この構造がなければ、それは単なる挑発に過ぎない。