イギリスのスタジオ（1924–1951）——派手なメロドラマと心理的深さで知られた。Ealingの抑制と対比。
1940年代のイギリス映画を研究したい者にとって、ゲインズバラ・ピクチャーズの作品は避けて通れない — それには十分な理由がある。このスタジオは、イーリングの堅実で社会批評的な美学に対する心理的な対抗勢力だった。イーリングが理性を説いたのに対し、ゲインズバラは内面の深淵、執着、性的な緊張を描いた。そこでの映画製作者たち — 特にバジル・ディアデンやアーサー・クラブツリーのような監督 — は、メロドラマを陳腐なものとしてではなく、心理的な道具として理解していた。彼らは絹とベルベットのカーテンの中に深みを与えた。
その作風は紛れもないものだった：豪華な時代劇（『The Man in Grey』、1943年、『Madonna of the Seven Moons』、1944年）、暗く照らされたセット、断片化された女性心理 — トラウマ、狂気、抑圧された情熱 — へのほぼ強迫的な焦点。カメラワークとしては、高いコントラストの照明、自然主義的というよりは表現的に見える劇的な影の遊びが用いられた。これはリアリズムではなく、映像による感情の投影だった。キャラクターは平面的ではなく心理的に複雑である必要があったため、キャスティングは重厚 — パフォーマンスは多層的だった。
セットにおいては、これは合理的なイーリングの方法とは異なるクルーの働き方を意味した。各内面の動きを目に見えるようにする必要があったため、製作費は高く、撮影期間は長くなった。セットデザイナーは単に部屋を作るのではなく、精神状態の視覚的な比喩を構築した。場面は、混乱させ、不安にさせるディテールで過剰に装飾された。これはイーリングの機能的なデザインとは根本的に異なっていた。
1951年以降の衰退は、製作費が高く、好みが変化したという経済的な理由 — そしてイデオロギー的な理由でもあった。新しいイギリスの波は、絹の心理劇ではなく、真正性を求めた。しかし今日、心理的な緊張や色彩のドラマツルギーで仕事をする撮影監督たちは、ゲインズバラ映画の中に教科書を見出している：いかにして、光、構図、過剰な装飾によって、見えないもの — 罪悪感、狂気、禁じられた欲望 — を可視化するか。それは忘れられておらず、コードが表面的なリアリズムよりも深みを再び要求する時に再発見されている。