編集

編集は、あらゆる映画の技術的な基盤です。編集なしでは、生素材しか存在しません。撮影現場で撮影された素材は、編集によって初めて本来のドラマ性を獲得します。エディターは後で暗い部屋に座り、どのテイクを残すか、どこにトランジションを置くか、次のカットに移る前にどのくらいの「間」を持たせるかを決定します。これは装飾ではなく、映画の神経系なのです。

実際には、編集とは具体的に、NLE（ノンリニア・エディター）— Avid、Premiere、Final Cut — でクリップを並べ替え、短くし、ずらしていくことを意味します。ハードカットは標準的なもので、画像から画像への突然でクリーンな移行です。しかし、編集はリズムでもあります。ドラマはゆっくりと「呼吸」し、カットは離れています。アクション映画は脈打ちます—速いカット、短いテイク、モンタージュ自体がエンジンになります。私はしばしば、エディターが編集の頻度だけで、追加の音楽やサウンドを必要とせずにサスペンスを構築するのを見てきました。長いショットの静寂は、10回の速いカットの連続よりも強く作用することがあります。

撮影現場で起こることが、編集で何が可能かを決定します。もし撮影監督が1つの視点しか撮影しなければ、エディターは後で選択の自由がなくなります。そのため、対照的なショット、ディテールショット、インサートショット—編集素材が必要です。優れたエディターは、撮影現場で既にカットを思い描いています。どこでカットを始められるか、どこで「間」を持たせるかを知っています。オーバーラップ、Jカット、Lカット（音声と映像のカットが同期しないもの）は、アマチュア映画とプロフェッショナルな仕事を区別する微妙なツールです。

編集は修理工場でもあります。遅いテイクは、編集のスピードで救われます。長すぎる対話は、エディターがポーズを削除するまで効果を失います。同時に、間違った編集は良い瞬間を破壊する可能性があります—速すぎると、感情が作用する時間がありません。遅すぎると、視聴者は退屈します。それは、それがうまくいくまで、本能、経験、そして百回試す意欲を必要とします。