バザン/クラカウアーの映画史区分：無声から有声映画への移行（約1927–1945）。深い焦点、ロングテイク、心理的リアリズム。フィルム・ノワールと新現実主義が典例。
1920年代後半から1940年代半ばにかけて、映画の優先順位は根本的に変化しました。それはサイレント映画の美学が時代遅れになったからではなく、トーキー映画が心理的な被写界深度の新たな可能性を開いたからです。いわゆる第二期は、ブレークというよりも再配分を意味します。初期のモンタージュ理論家（エイゼンシュテイン、プドフキン）が、カットだけで意味が生まれると信じていたのに対し、ここでは、空間的な深みを持つ静止したカメラの方が、10回のせわしないカットよりも多くを語れることが示されました。これは哲学的な意味ではなく、照明の論理、ブロック戦略、編集のリズム全体を変えるため、技術的に重要です。
撮影現場での具体的なワークフローとしては、被写界深度が物語の手段となります。もはや、アクションを画面平面に配置するだけでなく、空間性を利用します。前景にぼやけた人物、背景にピントの合った人物を配置し、ピント送りによってカットなしで注意の流れを生み出します。プランシーケンス（長く中断されないショット）は、連続的なドラマチックな緊張感によって、古典的なモンタージュの強度を置き換えます。ここで撮影監督として働く者は、被写界深度のコンポジションを習得しなければなりません。3つのレイヤーを区別できるライティング、空間的な雰囲気を歪めることなく凝縮する焦点距離が必要です。
この時代の美的表現は、それを非常によく示しています。アメリカン・ウェスタンは、もはやダイナミックなモンタージュ・シーケンス（初期のセンセーション映画のように）ではなく、心理的な対決として機能します。フィルム・ノワールは、まさにこの美学に依存しています。深くコントラストの効いた空間、影の中で行動するキャラクター、控えめながらも非常に効果的なカメラワーク。そしてイタリアン・ネオリアリズモは、この考え方を急進化します。スタジオではなくストリート、実際のロケーション、より自然な照明。心理的なリアリティは、技術的な洗練ではなく、空間的な真実性によって生まれることを示しています。
この時代が今日のプラクティスにとって意味すること：この時代の歴史的な映画を再構築したり、そのスタイルを適応させたりする者は、被写界深度への執着が単なる遊びではなく、変化した映画哲学の表現であることを理解する必要があります。光は機能的になり、カメラは忍耐強くなり、モンタージュは空間に息をさせるために自己制限する必要があります。これは言うよりも技術的に要求が高く、だからこそ教訓的です。