俳優がキャラクターの内的論理を構築するプロセス — 動き、声の質感、動機、背景の深さ。リハーサルと撮影中に行われる。
俳優が稽古場で、ぎこちなくシーンを動いている。すぐにわかるだろう。そのキャラクターは生きていない。役作りが始まるのはこの時点からだ。理論的な概念としてではなく、監督として積極的に伴走しなければならない職人的プロセスとして。俳優が自分のキャラクターの内面的な論理を見つけることだ。この人物はどのように人生を歩むのか？無意識の身体の動きのパターンは？体のどこに緊張があるのか？たとえ違うことを言っていても、本当に望んでいることは何なのか？
ほとんどの作業はカメラの前で長時間行われる。俳優との個別面談で、あなたは共同でその人物のバイオグラフィーを開発する。脚本に書かれていることだけでなく、その前に何があったのか。キャラクターはどこで育ったのか？何が彼女を傷つけたのか？どのような習慣があるのか？俳優の中には、イメージで作業する者、音楽やオブジェで作業する者もいる。私が知っている俳優の一人は、意地悪な父親役のために、毎朝1時間車に乗っていた。それが正しい精神状態に入るための彼の習慣だった。これらの詳細は心理的な小細工ではない。それらはカメラがすぐに感じるリアリティを生み出す。
撮影中は、忍耐力と観察力が必要になる。俳優はシーンの中で様々なトーンを試す。静かに、攻撃的に、壊れたように。あなたの仕事は、それがどうあるべきかを彼に伝えることではなく、何かがクリックするまで、彼にスペースを与えることだ。最初のテイクが技術的に欠陥があったからではなく、感情的な真実がまだ定まっていなかったから、繰り返しが必要な場合がある。これが良い職人技とルーティンワークの違いだ。
役作りは、ミザンセーヌと編集のリズムと密接に関連している。俳優の身体的な存在が、カメラがどのように彼をフレーミングするか、どのような編集ポイントが可能かを決定する。自分のキャラクターを本当に知っている俳優は、空間を偶然に動き回ることはない。パフォーマンスにおけるこの確信は、何物にも代えがたい。それは後で編集でより多くの選択肢を与え、制作全体をより効率的にする。俳優がもはや外側を見回すのではなく、内側に向かって作業するため、テイクを節約できる。