俳優が演じる役割——独自の動機、矛盾、弧線を持つ。カメラの前に立つ人物ではない。
キャラクターとは、カメラの前で息づくものであり、それを演じる人間そのものではない。監督は、その人物が誰であるか、どのような目標を追求し、何を恐れ、どこに限界があるのかを明確にイメージする必要がある。これが、セリフをただ読み上げる人形ではなく、存在感のある説得力のあるキャラクターを生み出す違いとなる。
実際には、撮影前にキャラクターがどのようにドアを開けるかを知っておく必要がある。ゆっくりか、それともせっかちか？どちらの手で？話す前に息を吸うのか、それとも言葉を絞り出すのか？これらの細部は脚本だけから生まれるのではなく、監督の仕事と俳優との協力から生まれる。キャラクターとは書かれているものではなく、監督が俳優の内的な論理を理解するのを助けた後に、俳優が体現するものである。
強いキャラクターには矛盾がある。何かを欲しているが、同時に体面も保ちたい。誰かを愛しているが、信用していない。これらの内的な緊張こそが、キャラクターを面白くするのであって、単調さではない。監督は自問する。「この人物はこの状況で、物語に必要なことではなく、本当に何をするだろうか？」もしその答えが心地よくないなら、それは良い兆候であることが多い。
キャラクターの発展、すなわち物語を通しての内的変化は、対立によって生まれる。キャラクターは何か大切なものを失うか、得る必要がある。真の結末がなければ、それは単なるスケッチのままである。編集とカメラで、女優がその旅を実際に遂げたのか、それともただ演じただけなのかがわかる。優れた演技は、キャラクターの最も小さな仕草に現れる――普段より長く続く視線、声はしっかりしているのに震える手。これが最高レベルのキャラクター作りである。
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脚本家たちの間で行われている最近の議論では、静的なキャラクターと動的なキャラクターの区別がますます強調されている。動的なキャラクターは物語を通して内的な変化を遂げるのに対し、静的なキャラクターは基本的な姿勢を維持する。「Action rooted to character」（キャラクターに根差した行動）という概念は、映画のあらゆる行動が、そのキャラクター固有の特性と動機から生まれるべきであるというアプローチを説明している。
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パフォーマンスキャプチャとモーションキャプチャは、キャラクター描写の可能性を大幅に広げている。俳優はリアルタイムでその演技をデジタルキャラクターに転送でき、Unreal Engine 5のような技術はリモートでの映画制作さえ可能にしている。物理的な演技とデジタルな演技の境界線はますます曖昧になり、新しい形のキャラクターの体現が生まれている。
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キャラクターの発展は、ますます映画のあらゆるレベルを通して表現されるようになっている。衣装デザインは、例えば服装の色調の変化や、フォーマルな服装からカジュアルな服装への移行などを通して、キャラクターアークを視覚的にサポートする中心的な手段として認識されている。この学際的なアプローチは、現代の映画言語がキャラクター作りを総合芸術としてどのように捉えているかを明確に示している。