1950-60年代のビート文学に影響された映画美学—即興的、反物語的、アンチエスタブリッシュメント。
ビート・ジェネレーションは1950年代半ばから映画界にも影響を与えた。それは文学の直接的な翻案というよりは、物語、モンタージュ、そして映像構成そのものに対する姿勢として現れた。古典的な映画が完璧さと物語の緊密さを重視していたのに対し、これらの映画製作者たちは意図的に滑らかさを破壊した。彼らはハンドヘルドで、手持ちの機材で撮影し、カメラに指示を与えるのではなく、カメラ自身に考えさせるようにした。
具体的には、ゴダールや初期のヴィム・ヴェンダースの作品に見られるように、カメラは技術的な完璧さの欠如からではなく、不完全さや直接性が形式的な原則となったために、動き、止まり、予期せぬカットをする。俳優は直接カメラを見つめ、カットは演劇的に正確であることよりも、リズミカルに配置される。照明は演出されたものではなく、環境光である。カットが目立たないようにされる古典的なコンティニュイティとは対照的に、ここではカットを感じさせることが意図されている。映画の構築性が可視化されるべきなのだ。それは過激であり、今日でもその影響力は衰えていない。
撮影現場や編集室では、具体的な決断として現れる。沈黙ではなく思考を声に出すこと。初見では邪魔に思える繰り返しや冗長性が、二度目には詩的に認識されること。トランジションではなくエリプシス。それは予算不足によるものではなく、芸術的な手法としての生々しさの美学である。トリュフォーは自伝的な作品でこれを洗練させたが、その核となるDNAは変わらない。映画は磨き上げられた製品ではなく、直接的な思考のイメージなのだ。
ビート・シネマは今日でも、インディペンデント作品、ドグマ95のマニフェスト、ファウンド・フッテージ戦略などにその影響を見ることができる。物語の人工性を隠すのではなく、それを露呈させるカメラワークと編集がなされるたびに。それは単なる神経質さのためではなく、芸術性そのものを価値とするという、意図的な拒絶である。カメラは真実であるために、必ずしも完璧である必要はないという考え方。これがその永続的な遺産である。