騒々しい大げさな宣伝——主に1920s–1940sのスタジオマーケティング。煽動的で計算尽くしのショーマンシップ。
1920年代から1940年代にかけてのハリウッドは一種の博覧会であり、スタジオはその運営方法を熟知していました。バリーフーはこの時代の芸術形式でした。それは、映画そのものよりもイベントを作り出すことに重点を置いた、うるさく、遠慮のないプロモーションでした。スタジオ経営者は、映画館に行くことが単なる娯楽ではなく、スペクタクルでなければならないことを理解していました。そして、最も派手なスペクタクルを演出した者が観客を獲得したのです。
バリーフーは実質的に次のように機能しました。スターを手の届かない神々として演出し、スキャンダラスな報道を組織し、フラッシュライト、群衆、マーチングバンドを備えた国家行事のようなプレミアを企画しました。広告は誇張され、しばしばグロテスクでしたが、それは映画を説明するためではなく、感情的な訴求力として好奇心を刺激するためでした。西部劇は物語としてではなく、「映画史上最もワイルドな冒険」として宣伝されました。メロドラマは感情的な映画としてではなく、「男たちを泣かせるシーン」として宣伝されました。フィクションとマーケティングの境界線は完全に曖昧になりました。
バリーフーが現代のマーケティングと異なっていた点：それは厚かましく人工的でした。観客は騙されていることを知っていましたが、それを楽しんでいました。それは操作ではなく、職人技でした。それは攻撃的で、うるさく、演劇的でした。スターレットは微妙に売り出されるのではなく、百もの新聞で同時に「発見」され、でっち上げの恋愛沙汰に巻き込まれ、自動車事故（本物か偽物か）の写真が撮られました。スタジオは、継続的な興奮を生み出すために、ジャーナリスト、写真家、エージェントの全部署を雇用していました。
撮影監督や編集技師にとって、バリーフーは二次的なものでした。プレミアの後で起こることでした。しかし、業界の一員としては、その影響を感じていました。撮影スケジュールは、プロモーション撮影のためのスターの都合に合わせて組まれました。編集のリズムは、プロモーションクリップで派手に映るものに合わせられました。映画館は芸術ではなく、サーカスでした。そしてサーカスには最高のショーが必要でした。バリーフーは、映画が劇場に入る前に、それをイベントに変えました。それは計算され、プロフェッショナルで、驚くほど効果的でした。スタジオシステムが機能している限りは。