Long-métrage où le monde visuel complet ou dominant est construit numériquement. Caméra, éclairage et composition dans l'espace virtuel.
Lorsque vous travaillez sur un film CG (ordinateur généré), vous opérez dans un monde inversé : la caméra n'existe pas, les lumières sont des paramètres de shader, et les limites du décor sont définies par le moteur 3D. Un film CG est créé entièrement ou majoritairement dans l'espace numérique – qu'il soit photoréaliste comme dans un drame en motion capture ou stylisé comme dans les longs métrages Pixar. Cela le distingue fondamentalement des productions hybrides qui combinent des prises de vues réelles avec des ajouts de VFX.
Sur le plateau – ou plutôt : dans la production virtuelle – votre travail s'apparente à celui d'un directeur de la photographie numérique. Vous positionnez des caméras non physiques, réglez des lumières qui n'ont pas de watts, et composez des cadres dans un environnement logiciel qui peut être rendu à nouveau autant de fois que nécessaire. Cela offre une liberté radicale : vous pouvez changer la focale au 47ème essai sans avoir à ajuster les lumières. Simultanément, vous avez besoin du même langage visuel – lignes de fuite, profondeur de champ, harmonie des couleurs – que pour de vraies caméras. Sauf que tout doit être consciemment construit. Il n'y a pas de détails aléatoires qui créent de l'authenticité.
La pratique distingue deux grandes approches : le Motion Capture (Avatar, La Planète des Singes) superpose la performance d'acteurs réels sur des corps et des décors numériques ; l'Animation 3D complète (Toy Story, Vice-Versa) se passe entièrement de prises de vues réelles. En Motion Capture, vous travaillez avec des rushes de référence et devez ensuite décider quelle part des détails de la performance vous souhaitez conserver ou lisser. En animation complète, vous créez chaque mouvement, chaque regard à partir de l'intention – pas de spontanéité du plateau, mais un contrôle maximal du timing et du storytelling.
Important : les films CG nécessitent une nouvelle approche de l'éclairage. Les lumières réelles ont des chutes, des diffusions, des reflets – des irrégularités naturelles. Dans l'espace numérique, vous devez les ajouter activement, sinon tout paraît plat et parfait (et donc mort). Le processus de rendu est votre exposition finale ; vous n'êtes pas dans la salle de montage, mais vous orchestrez peut-être des semaines de temps de recalcul. Chaque changement a un coût. C'est la vraie différence : plus une liberté créative au sens classique, mais une autre liberté – et des contraintes très différentes.