Shochiku

शोचिकु का निर्माण कहानियों को कहने के एक खास नजरिए का प्रतिनिधित्व करता है: परिवार, पड़ोस, मेज पर गलतफहमियां — ये सब सौ फिल्मों के लिए सामग्री हैं। 1920 में एक फिल्म स्टूडियो के रूप में स्थापित, शोचिकु ने एक ऐसी शैली विकसित की जिसने महत्वहीन को कला का दर्जा दिया। किसी बड़े नाटक या आपदा की आवश्यकता नहीं है। एक बेटा घर लौटता है। एक बेटी शादी करती है। पिता चुपचाप साके पीते बैठते हैं। बस इतना ही काफी है।

यासुजिरो ओज़ू और मिकियो नारुसे — दोनों शोचिकु के हाउस डायरेक्टर्स — ने इस लहजे को किसी और से ज़्यादा प्रभावित किया। ओज़ू का स्थिर कैमरा, जो बैठे हुए इंसान की आंखों के स्तर पर काम करता है, गति के माध्यम से नाटक की तलाश नहीं करता, बल्कि मौन और स्थानिक सटीकता के माध्यम से करता है। नारुसे ने महिला दृष्टिकोण पर ध्यान केंद्रित किया, एक पत्नी की छिपी हुई निराशा, पीढ़ियों के बीच की बातचीत। शोचिकु में सीखा गया: कैमरा कमरे को दिखाता है, भावनाओं को नहीं। भावनाएं उस बात से उत्पन्न होती हैं जो नहीं कही जाती है।

सेट पर अभ्यास के लिए, इसका मतलब एक्शन या प्रभाव वाली मेलोड्रामा से एक अलग लय है। कट दुर्लभ होते हैं, शॉट टिके रहते हैं, अभिनेता सामान्य स्वर में बोलते हैं — कोई अतिशयोक्ति नहीं। प्रकाश सपाट, प्राकृतिक, अक्सर विसरित होता है। धैर्य और दोहराव के साथ काम किया जाता है: वही कोण दर्शक की अपेक्षा से तीन सेकंड लंबा, जब तक कि अर्थ बदल न जाए। दर्शक की मदद के लिए कोई अंडरकट, कोई संगीत का उभार नहीं। उसे खुद काम करना पड़ता है।

शोचिकु सिनेमा मरा नहीं है। यह हर कैरेक्टर फिल्म में जीवित है, जो उपस्थिति के पक्ष में कथानक को छोड़ देती है, हर जापानी इंडिपेंडेंट फिल्म में, जो परिवार को संघर्ष के क्षेत्र के रूप में उपयोग करती है। कोरेएडा हिरोकाज़ू, उदाहरण के लिए, इस रेखा पर काम करते हैं — एक शैली के छात्र के रूप में नहीं, बल्कि किसी ऐसे व्यक्ति के रूप में जिसने सीखा है कि रोजमर्रा की जिंदगी सबसे कट्टरपंथी नाटक है। जो लोग यह समझना चाहते हैं कि मूक दृश्यों को कैसे शूट किया जाए, स्थान का उपयोग चरित्र के रूप में कैसे किया जाए, वे शोचिकु को नज़रअंदाज़ नहीं कर सकते। यह एक शिल्प है जो घिसता नहीं है।