डायरेक्ट सिनेमा

डायरेक्ट सिनेमा 1960 के दशक में एक तकनीकी आवश्यकता से उभरा: पोर्टेबल 16 मिमी कैमरे, सिंक्रोनस मैग्नेटिक साउंड रिकॉर्डर के साथ, पहली बार ट्रायपॉड और लाइटिंग क्रू के बिना वास्तविकता में जाने में सक्षम थे। यह एक सचेत शैलीगत निर्णय नहीं था, बल्कि इसलिए था क्योंकि उपकरण इतना हल्का था कि वह अगोचर रह सके। इसका परिणाम एक अवलोकनकारी रवैया था जो क्लासिक वृत्तचित्र से मौलिक रूप से भिन्न था - कोई व्याख्यात्मक वॉयस-ओवर नहीं, प्रश्न-उत्तर के साथ साक्षात्कार सेटअप नहीं, चित्रण के लिए कोई आर्काइव फुटेज नहीं। कैमरा बस वहीं खड़ा रहता है और देखता रहता है।

व्यावहारिक परिणाम: एक छायाकार के रूप में आपको लंबे समय तक इंतजार करना पड़ता है। आपका काम कुछ दिखाना नहीं है, बल्कि तब मौजूद रहना है जब वह खुद को प्रकट करता है। यह निष्क्रिय लगता है, लेकिन शिल्प कौशल के मामले में यह अत्यधिक सक्रिय है - छवि संरचना में निरंतर छोटे सुधार, सिंक्रोनस ऑपरेशन में फोकस ट्रैकिंग, एक दृश्य की लय की भावना जिसे आप निर्धारित नहीं कर सकते। संपादन निर्णय बाद में संपादक द्वारा लिए जाते हैं, जो 40 घंटे की सामग्री को 90 मिनट तक सघन करता है। डायरेक्ट सिनेमा नाटकीय कार्य को पटकथा से संपादन कक्ष में स्थानांतरित करता है - जहाँ कहानी का रूप बनता है।

प्राइमरी (1960, रॉबर्ट ड्रू और रिकी लियोकॉक) या ग्रे गार्डन्स (1975, अल्बर्ट और डेविड मेसल्स) जैसे क्लासिक उदाहरण सिद्धांत को दर्शाते हैं: लोग अपने दैनिक जीवन में, कोई निर्देश नहीं, कैमरे पर कोई प्रतिक्रिया नहीं - या सत्य के इतने करीब कि कैमरा पारदर्शी हो जाए। यह तभी काम करता है जब आप खुद को एक उपकरण बनाते हैं: हाथ से स्थिर, अनुकूलनीय, हस्तक्षेप के बिना मौजूद।

डायरेक्ट सिनेमा अवलोकन संबंधी वृत्तचित्र (वैरिटे) से मौलिक रूप से भिन्न है, जो अंतर-व्यक्तिपरकता के साथ अधिक खुला खेलता है, और वॉयस-ओवर के साथ क्लासिक व्याख्यात्मक वृत्तचित्र से। यह गैर-हस्तक्षेपकारी वृत्तचित्र का सबसे कट्टरपंथी रूप है - और साथ ही कैमरा और संपादन के लिए सबसे अधिक मांग वाला भी। छवियों को स्वयं वह बताना होता है जो अन्य रूप बाहरी रूप से समझाते हैं।