极短镜头切割和有节奏的过渡的快速蒙太奇——音乐场景的特征技法。能量来自编辑节奏，而非叙述。
在经典的歌舞片电影中——尤其是在 20 世纪 20 年代和 30 年代——发展出了一种独特的剪辑技术，它更多地服务于节奏的韵律，而不是叙事。你在这里剪辑不是为了推进故事，而是为了产生能量。每一个剪辑都踩准了节拍，每一个转场都成为视觉的脉冲。目标是让观众进入一种持续的视觉刺激状态，无论是否有情节存在，这种状态都能发挥作用。
实际操作中，它采用极高的剪辑频率——每秒通常三到五帧，有时更快。你不仅会结合经典意义上的剪辑，还会使用叠化、划变、遮幅和其他几何转场。素材本身——舞蹈动作、面部表情、装饰元素，甚至是肢体的一部分——都变成了抽象的视觉形式。一个舞女不被展示为一个角色，而是她的腿、她的上半身、她的手臂被当作独立的视觉节奏元素来处理。剪辑就像乐谱：剪辑的时长变成了音乐记号。你进行强调、连接、停止——所有这些都服务于纯粹的节奏。
在片场和剪辑室：这种方法需要大量的素材。歌舞片节目会进行多次拍摄，从不同角度，使用不同的焦距和距离。剪辑师——是的，这常常是一个有意识的、具有建设性的决定——需要在每一个半拍上都有选择。摄影机提供静态的镜头；动态则在剪辑中产生。这从根本上将 Varietyese 与后几十年的动作剪辑区分开来，后者的摄影机已经产生了运动——而在这里，摄影机是剪辑的仆人。
从历史上看，你在 Ruttmann 的作品中，在早期的长片舞蹈场景中，在 30 年代的 Busby Berkeley 的节目中，最能看到这一点（尽管 Berkeley 已经将摄影机用作作曲家——这是一种混合形式）。这项技术已经过时，但它的原理——剪辑速度作为一种独立的戏剧性手段——在音乐视频、广告片和风格化的动作场景中仍然鲜活。如果你今天需要一个不讲述故事而只讲述纯粹能量的蒙太奇序列——Varietyese 是你的参考模式。