摄像机的单次不间断录制。同一镜头的多个镜头为剪辑和表演提供选择。
你站在片场，摄影机正在运转，女演员说出她的台词——这就是你的镜头。从“开拍”（Rolling）到“停”（Cut），这是一段连续的录制。中间没有剪辑，摄影机没有中断。这是你后期剪辑时使用的原始素材。一个镜头可以持续三秒钟，也可以持续三分钟——关键在于它被完整地记录下来。
实践很快就会让你明白，为什么同一镜头的多个“次”（Take）是必不可少的。你的第一个镜头拍得很完美——直到演员在最后一秒绊倒。第二个镜头：声音有问题。第三个镜头：灯光晃动了。第四个镜头很不错。但第五个镜头在情感上更加强烈。在剪辑时，你会选择哪个镜头效果最好——或者，如果技术质量和表演都合适，你可以将不同镜头的片段组合成一个合成镜头。这区分了专业人士和新手：拥有大量的“次”来获得选择。不是出于不确定性，而是出于手艺。
在片场，你会区分主镜头（Master Shot）——即整个场景的广角镜头——以及近景（Nah-Einstellungen）、特写（Close-ups）、过肩镜头（Over-the-Shoulder-Shots）。每一个都是一个独立的镜头，每一个都需要多个“次”。新手会用两个镜头拍完一个场景，就认为够了。然后你就会在剪辑时陷入困境。经验丰富的导演和摄影师会用八、九个镜头来拍摄同一个场景——不同的焦距、不同的高度、反应性特写。这会在剪辑时给你带来灵活性、节奏感和张力。
“次”（Take）这个词经常被用作同义词，但技术上更精确：它是编号——Take 1, Take 2, Take 3。场记（Script-Continuity）和剪辑师会记录每个“次”的时间码和注释：“Take 3，到第 1247 帧都很好，之后声音出错”。这会为你节省宝贵的剪辑时间。你不会去翻看一百分钟的原始素材，你会确切地知道哪个“次”在什么地方。因此，导演、摄影和场记之间在片场的清晰沟通是基础——只有这样，原始胶片才能变成可用的素材。