两个相反角度间的切换——通常是对话中相互看着的人物。制造视觉节奏，吸引观众。
你正在拍摄一段对话场景：镜头对准演员 A，他说话——然后你切到演员 B，他回应。再切回 A。这就是镜头对镜头（Shot-Reverse Shot）手法，它不仅仅是剪辑的停顿。它是一种叙事策略，将观众拉入人物之间的空间，并暗示观众自己就站在那里。
其机制很清晰：两个相对的摄像机位置，通常轴线略有偏移（并非精确的180度，否则会显得僵硬）。当 A 说话时，你在画面中看到 A 并听到他的声音；切到 B 则揭示了 B 的反应——不仅仅是嘴唇，还有眼神、身体姿态、内心的回应。这些台词之间的瞬间是宝贵的。一个好的演员在镜头对镜头（Reverse Shot）时给予你的信息比镜头本身（Shot）更多：沉默、不确定、吸引力。在片场，你必须以同等的强度拍摄两个镜头——演员 A 在第二次拍摄（为镜头对镜头）时仍需充满能量，即使镜头没有对准他的脸。这通常比摄像机编排更具挑战性。
从节奏上看，这种手法之所以有效，是因为它使剪辑具有合法性。每一次剪辑都是一种潜意识的信息：谁在说话，谁就被展示。谁在倾听，谁就被展示。观众接受这是一种自然的对话语法。因此，缓慢的剪辑在这里不会让人感到疲倦——它们显得专注。快速的剪辑则显得紧张、充满张力。你通过剪辑节奏来控制张力，而不是通过音乐或摄像机运动。
实践建议：始终分别完整地拍摄两边。不要拍两秒钟镜头对镜头然后切换。为演员 A 拍摄一个完整的镜头，然后为 B 拍摄一个完整的镜头。剪辑师会感谢你，而且你不会陷入连续性混乱。不对称地运用焦点和焦外虚化——说话的角色可以更清晰地聚焦，倾听者可以更柔和。这支持了视觉层次。如果你的场景需要心理深度，要避免陷入经典情景喜剧风格的完美180度镜头对镜头陷阱——一个略微倾斜的角度（过肩镜头变体）可以创造出更具吸引力的空间张力和不对称性。