好莱坞大制片厂之外的独立电影——艺术优于商业，低预算，导演掌控。从60年代至今，好莱坞制片厂电影的激进对立。
当你在片场工作，发现导演亲自搬灯，制片主任同时兼任服装师时，你可能正在参与一个“独立制片”项目。这并非怪癖——而是必要性，同时也是一种哲学理念。“独立制片”意味着：你在主流大片之外制作电影，没有大型制片厂的体系，没有五千万美元的预算，没有一个对每个场景都要投票的制片人委员会。艺术控制权掌握在一个人或一个小团队手中，而不是纽约或洛杉矶的资助者手中。
具体来说，这意味着：拍摄周期为 3-4 周，而不是 60 天；剧组人员为 8-15 人，而不是 80 人；摄影指导晚上会参与剪辑流程，因为没有独立的剪辑层级。美学源于“匮乏”——并非缺乏雄心，而是缺乏资源。有趣的是：这会让你眼光更敏锐。你会更精确地选择镜头，因为你不能简单地尝试五种不同的布景。布光会更具直觉性，摄影机离拍摄场景更近。独立制片电影常常拥有那种不加修饰的能量，那种主流制作难以复制的粗粝真实感——并非因为它们更好，而是因为它们的产生方式不同。
历史上，“独立制片”是一种反主流运动：20 世纪 60 年代和 70 年代的“新美国电影”——卡萨维蒂、布拉哈格、梅卡斯——是对工作室美学的激进否定。后来，它成为了一种务实的选项：随着 2000 年后数码摄像机和数字工作流程的出现，人们突然能够以自己的预算进行专业制作。如今，“独立制片”早已不再是边缘地位；它已成为一种公认的制作模式，在圣丹斯电影节和柏林电影节论坛上都受到同等重视。
在片场，你会很快意识到你是否在拍摄一部“独立制片”电影：剧组人员年轻，常常身兼多职。混音师也负责混音音乐。第一副导演认识每个人。如果钱不够了，就会即兴发挥——这有时会产生最好的瞬间。这不是混乱，而是在压力下高度集中的手艺。“独立制片”之所以能成功，是因为所有人都致力于同一个艺术目标，不是为了按集体协议的报酬工作，而是因为这个创意将他们凝聚在一起。