巴赞/克拉考尔的电影时期划分：从无声到有声电影（约1927–1945）。景深、长镜头、心理现实主义。黑色电影与新现实主义为典范。
在20年代末到40年代中期，电影的重点发生了根本性的转变——并非因为无声电影的美学突然过时，而是因为有声电影开启了心理深度表现的新可能。所谓的第二时期与其说标志着一种断裂，不如说是一种权衡的转变：早期蒙太奇理论家（爱森斯坦、普多夫金）曾认为剪辑本身就能创造意义，而此时人们发现，一个具有空间深度的静态镜头往往比十次急促的剪辑更能讲述故事。这并非哲学上的论断——它在技术操作上具有相关性，因为它改变了整个布光逻辑、演员调度策略和剪辑节奏。
在片场的实际工作流程中，这意味着：景深成为叙事手段。人物不再仅仅被放置在画面平面上，而是利用了空间深度——前景中的人物模糊，背景中的人物清晰，通过焦点转移，无需剪辑即可实现视线引导。长镜头（Plansequenz）——即长时间不间断的镜头——用持续的戏剧张力取代了经典的蒙太奇强度。在此工作的摄影师必须掌握景深构图：能够区分三个层次的布光，能够运用不失真的焦距来浓缩空间氛围。
这一时期的美学表现形式非常清晰地体现了这一点。美国西部片的功能发生了变化——不再是早期惊险电影那种动态的蒙太奇序列，而是心理上的对峙。黑色电影（Film Noir）尤其依赖于这种美学：深邃、对比强烈的空间，在阴影中活动的角色，以及克制但因此更具表现力的摄影机运动。意大利新现实主义最终将这一理念推向极致——用街道代替摄影棚，使用真实场景，更自然的布光——并表明心理真实并非通过技术上的精巧，而是通过空间上的真实感来实现的。
这一时期对今天的实践意味着什么：那些重构这一时代历史影片或借鉴其风格的人，必须理解景深上的执着并非儿戏，而是电影哲学转变的体现。灯光必须变得功能化，摄影机必须有耐心，而剪辑必须自我约束，以便让空间得以呼吸。这在技术上比听起来更具挑战性——正因如此，它才具有教育意义。